■ 전    시    명 : Luminary 

■ 참여 작가 : 이호정

■ 전 시 기 간 : 2020. 12. 01. (화) – 12. 18. (금)

■ 전 시 장 소 : 대안공간아트포럼리

■ 문            의 : artforum.co.kr / T.032_666_5858

■ 기            획 : 대안공간아트포럼리

■ 아트디렉터 : 이훈희

■ 큐 레 이 터 : 조은영, 유상아

■ 글 : 조은영

본향을 향한 별들의 여정

대안공간아트포럼리 큐레이터 조은영

# “하늘 창공에서 땅을 환히 비추어라” 하시니

하느님께서 “하늘 창공에 빛나는 것들이 생겨 … 땅을 환히 비추어라!”

하시자 그대로 되었다. 하느님께서는 이렇게 만드신 두 큰 빛 가운데서

더 큰 빛은 낮을 다스리게 하시고 작은 빛은 밤을 다스리게 하셨다.

– 『공동번역성서』창세기 1:14-16

조물주의 창조 사역이 기록된 저 유명한 창세기 1장에 의하면, 하느님은 창조 넷째 날이 되었을 때 궁창에 발광체들을 두어 운행하게 하였다. 불가타 성경의 라틴어 원문은 이 두 개의 큰 발광체들을 ‘Luminaria’로 지칭하고 있다. 이처럼 성경이 직접 언급하고 있는 루미너리는 점성술 전통에서도 발견되는데, 여기서 루미너리는 가장 핵심적인 두 개의 천체, 곧 ‘하늘 창공에 빛나는 해와 달’을 뜻한다.

2020년 12월, 도예가 이호정이 대안공간 아트포럼리에서 선보이는 작업들은 루미너리의 이러한 점성학적 의미에서 착안되었다. 혹자는 주간지에서 흔히 볼 수 있는 「○○자리의 금주 운세」 따위를 점성술로 여길 수 있겠다. 실제로도 많은 역사가들이 점성술을 원시적이고 비이성적인 미신으로 매도하곤 했다. 그러나 오늘날 낮추 평가되는 ‘별에 대한 믿음’은, 오히려 우주의 원리를 파악하기 위해 배워야 할 과학으로서 고대로부터 진지한 학문적 성격을 수반하였다.

특히 천변 현상이 커다란 경이를 불러 일으켰던 고대에는 거의 모든 철학자들이 하늘과 땅 사이의 연관성을 긍정했다. 운명론을 경계한 중세 기독교 세계에서도 별의 영향력이 실재할 수 있다는 우호적인 태도는 유보되었다. 그리고 기나긴 질곡의 역사를 거쳐, 점성술은 르네상스의 도래와 함께 마침내 진정한 승리를 거둔다. 점성술은 별이 우주 삼라만상에 물리적 영향을 미친다는 믿음이자 별점 기술로서 휴머니스트들의 사상 체계를 지배했던 것이다.

# 우주 어딘가에 있을, 나의 거처를 찾아서

말하자면 예나 지금이나 우주는 그렇게 고원 高遠한 것이 아니다. 21세기와 같이 계몽된 시대에도 여전히 많은 이들이 별자리가 운명에 미칠 영향력을 믿으며 ‘오늘의 운세’를 읽는 것을 보면, 점성술은 과연 수천 년 동안 끊임없이 우리를 매혹하였다. 하지만 이호정 작가가 <루미너리> 전시를 통해 말하고자 하는 것은 어떠한 미신적 요소가 아니다. 흙으로 빚은 해와 달과 별로써 그는 인간에 관한 이야기를 향유자에게 건넨다. 전술했듯이 점성술의 중심 사상은 바로 소우주로서의 인간이 대우주인 세계를 반영한다는 것이다. 작가는 이러한 유비성 類比性을 토대로 광활한 우주의 별들을 도자기에 새겨 넣었다. 그럼으로써 그는 인간이 결코 혼자가 아님을, 우주의 높은 질서로부터 저마다의 고유성과 삶의 의미를 찾을 수 있음을 보여주려 한다.

나날의 일상에서 존재의 의미를 묻고 탐색하고자 하는 것은 인간의 보편적인 갈망일 것이다. 더욱이 예술가에게 있어 존재의 본원, 내면의 세계를 단단히 넓히는 행위는 정체성을 보존하기 위한 지고 至高의 과제라 할 수 있다. 이호정 작가가 점성술에 천착하게 된 계기도 ‘작가로서의 나’를 찾으려는 기나긴 물음에서 비롯되었다. 20여 년간 도예의 길을 걸어온 그는 스스로의 자아를 ‘도예가’와 ‘도예 활동가’로 나눈다. 발달장애인들과 인연을 맺은 것을 계기로 지역의 도예 활동가로 나서게 된지 어언 15년. 그간 작가는 이들과 함께 도예 작품들을 전시하며, 장애를 초월한 진정성을 전달해왔다.

하지만 이호정 작가가 도예 활동가로서의 삶을 지탱해올 수 있었던 까닭은, ‘도예가’라는 정체성을 집요하게 탐구해왔기 때문이다. 도예 교육에 전념하면서도, 작가는 ‘나만의 작업’을 욕망하기 위한 걸음을 멈추지 않았다. 석사 과정을 마치며 첫 전시를 가졌고 2011년 아트포럼리에서 두 번째 개인전을 개최했으니, 이번 <루미너리>전은 도예가로서의 이호정을 대략 10여 년 만에 되찾는 귀중한 디딤돌인 셈이다. 그만큼 오랜 시간이 걸렸다. 10년 전 작가는 그가 표현하고 싶었던 대상과 자기만족에 충실하였으나, 3~4년 동안 점성술과 관련한 작업을 이어오면서, 이제 그는 예술가로서의 자신뿐만 아니라 오랜 시간 함께 다른 이들의 소중한 이야기를 들려준다. 각자가 탄생했을 때의 12궁과 해와 달, 행성의 위치를 기입한 호로스코프 horoscope를 도자기에 띄워, 누군가의 고민이나 삶의 과업, 살아온 역사를 하늘의 지도로 승화시키는 것이다.

작가 본인을 예로 들자면, 그가 걸어온 여정은 달과 게자리로 표현된다. 지상의 시간을 지배하는 달은 우리의 내면과 같이 가변적이며, 우주에 생기를 불어넣는 원동력이다. 달을 빚어내는 동안, 작가는 새로운 도약의 발판을 마련하는 것이다. 또한 작가의 별자리인 게자리는 이러한 달의 보호와 영향 아래 놓여 있다. 지속적으로 변화하는 달에 속한만큼, 게자리는 미래의 재탄생을 암시한다. 영혼이 육체를 갖추기 위해서는 반드시 게자리를 통과해야한다고 여겨졌듯이, 작가는 ‘새로 태동할 나’를 향하여 그의 별과 함께 또 다시 긴 여정을 떠난다. 그러나 외롭지 않다. 오랜 세월 그래왔듯이 작가의 손길이 닿은 수많은 인연들, 수많은 별들이 본향을 향한 이 여정에 함께할 것이므로.

그 옛날 천문학 혁명을 이끌었던 케플러 (J. Kepler, 1571-1630)는 하늘의 물체와 그것들의 운동이 음악을 만들고, 이 음악을 우리 인간이 느낄 수 있다고 하였다. 그리고 작가 이호정이 담아낸 수많은 개개인의 노래가 지금 여기, 아트포럼리에서 조화롭게 울려 퍼지고 있다. 이 작은 공간으로부터 전 우주에 공명하는 별들의 노래를 통해 우리 모두가 삶의 소중한 의미를 찾을 수 있기를 바란다.

■ 작 가 노 트

나는 무엇을 하기 위해 이 세상에 태어났을까?

태양의 생명력과 에너지에 주파수를 맞추어 본다.

멋 모르고 접했던 20대 초반의 흙 작업은 30대를 거쳐 40대 중반을 맞이하게 되면서 나의 끝없는 물음과 함께 해주고 있다. 성실함과 욕심 그 어딘가에서 헤매며 켜켜이 쌓여 온 나의 작업들은 ‘단순’해지고 싶다.

안 되는 것에 매진하고 노력하지 않아도 잘하는 것들 속에 우리는 살아간다. 그리고 극복하기 힘든 카르마에 휩싸이거나 직업으로 승화해 풀어가며 살아가기도 한다. 나는 무엇을 하고자 이 세상에 발을 디뎠을까? 작가로서의 삶에서 가장 좋은 것은 ‘나’를 탐색하고 표현하며 그것을 드러내는 것이다. 결혼을 하고 아이를 낳고 작업실이 생기면서 새로운 ‘나’가 창조되었을 때 두 번째 전시를 하였고. 9년이 지난 2020년의 나는 인생을 조금 더 배웠으며 그것을 점성술의 기호와 스토리텔링으로 풀어나가고자 한다.

‘달’은 어머니를 상징하기도 하는데 한국에서 어머니라는 상징은 희생의 아이콘이며 가족을 위해 헌신하는 아주 어려운 캐릭터로 견고히 자리 잡고 있다. 정말 어머니는 그런 존재인가? 그런 존재여야만 하는 것은 아닐까?

점성학을 파고들면서 가장 관심을 갖게 된 것이 바로 moon(달)이였다. 나 스스로가 게자리(cancer)에 태어났으며 내면을 나타내는 ‘달‘의 자리도 게자리였기 때문이다. 어머니는 한결같은 사랑을 준다고 하지만 달은 그 무엇보다 변화무쌍하며 본능과 감정의 별로 시시각각 변화하며 직관적이고 예민한 깊은 내면의 감정체이다. 우리는 어떤 마음으로 달을 바라보는가? ‘달’을 작업할 때 나는 지금 모습에 만족하고 또 다른 모습으로 변화될 나를 느낀다. ‘천왕성’을 조각하며 나는 자유를 얻고 주도적인 변화와 새로운 감성에 휩싸인다.

도자기의 형태와 그 안에 새겨진 생소한 기호와 사인은 저마다의 이야기와 정체성을 갖고 있지만 그것은 몰라도 좋다. 자신의 생일을 통해 알 수 있는 태양 별자리만으로도 스토리텔링은 가능하기 때문에 그냥 느끼는 그대로 바라봐 주길 바란다. 12명의 Natal Chart 작업은 작은 원안에 운명과 바람, 인생의 숙제와 극복하고자 하는 의지가 담긴 ‘삶’을 불어넣어, 이 여정을 함께 걸어온 분들께 감사함을 전하고 싶다.

마흔이 넘어야 자신의 ‘토성’을 느끼고 일어설 수 있는 힘이 생긴다. 나는 매우 감성적이며 실리적인 사람으로 관계에서의 토성을 느끼고 받아들이고 있다. ‘자유’라는 말을 되뇌이며 세상의 모든 관계로부터 자유로워지길 바라는 동시에 나의 ‘사람들’을 항상 떠올리며 그들이 좋아하는 것, 하고 싶어 하는 것을 생각한다. 나의 공간에서 나만의 세계를 즐기며 창조한 그 무엇인가를 나는 늘 사람들과 공유하고 공감하고 나누고 싶다. 그리고 그 나눔이 끝나면 다시 나만의 자유로운 공간과 세계로 들어가길 바란다. 타인은 차갑다고 느낄 수도 따뜻하다고 느낄 수도… 나는 그러한 반응을 염려하면서 동시에 개의치 않는다.

흙이라는 물질은 물과 공기, 불을 만나 새로운 물질로 재탄생 된다. 우주(삶)를 담고 싶었던 나의 작업은 한쪽 벽을 장식할 도자 벽화 또는 따뜻한 차를 마실 수 있는 컵으로 때로는 평화로운 명상의 시간을 함께 해줄 도구로 소비되어지길 바란다. 늘 함께 하면서 늘 떨어져 있는 사람과 사람들처럼.

2020.11.13

1.별 이야기 Star story_혼합토,색화장토,천목유_18x18x3cm_2020

2.태양과 달 Sun&Moon_혼합토,색화장토,천목유_30x30x30cm_2020

3.내면의 집 Moon house_백자토,색화장토,천목유,투명유_22x12x17cm_2020

4.달의 집 Moon house_백자토,색화장토,천목유,투명유_22x12x17cm_2020

5.12싸인 Twelve signs_조합토,색화장토,천목유,투명유_10x15x13cm_2020

6.운명의 수레바퀴 Wheel of Fortune_혼합토,색화장토,DB블루,색유_80x80x3cm_2020

7.생명 Life_고려대작토,수금_2x2x3cm_2020

8.천개의 별이되어 Become a thousand stars_양구백토,색화장토,투명유_12x11x13cm_2020

9.Luna 달_ 혼합토,색화장토,투명유_12x11x13cm_2020

10.우주의 돌 Cosmic Stone_색소지,수금,투명유_1x1x1cm_2020

이호정(B. 1977)

명지대학교 산업대학원 도작기기술학과 석사 졸업

청주대학교 공예디자인학과 학사 졸업

<개인전>

2012 특별함+소유+재미, 대안공간아트포럼리, 경기도

2003 황토유약제안전, 인사동 갤러리 블루, 서울

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■ 전    시    명 : 알던 것 분의 알 것 

■ 작    가    명 : 순수인(노혜인, 박경수)

■ 전 시 기 간 : 2020. 11. 09. (월) – 11. 28. (토)

■ 장            소 : 대안공간 아트포럼리

■ 문            의 : artforum.co.kr / T.032_666_5858

■ 기            획 : 대안공간 아트포럼리

■ 아트디렉터 : 이훈희

■ 큐 레 이 터 : 조은영, 유상아

■ 글: 조은영

순수인(B. 1991)

2020 02880, 성북 작은 갤러리, 서울

2020 lOllll, 프로젝트 신포

순수인의 유쾌한 반란 – 창조의 놀이를 시작하다.

대안공간아트포럼리 큐레이터 조은영

미국 컬럼비아 대학의 한 연구 결과에 따르면 2~5세 어린이 중에서는 98%가 창의력 천재로 분류되는 반면, 25세 이상의 어른 가운데서는 단 2%만이 천재성을 유지한다. 상상력의 소유자가 되기 위해서는 어린아이의 눈으로 끊임없이 의문을 던져야 한다는 의미이다. 일례로 피카소는 “모든 아이는 예술가이다. 문제는 어른이 된 후에도 그 예술성을 유지할 수 있을까 하는 점이다”라며, 몸집이 커질수록 창조성을 상실해 가는 현상에 대해 심회를 토로한 바 있다.

그렇다면 어째서 인간은 새로운 것을 만드는 창조의 힘을 점차 잃게 되는 것인가? 생철학 (生哲學)의 대가 니체는 『차라투스트라는 이렇게 말했다』에서 무기력에 학습된 자들을 위해 다음과 같은 처방전을 내민다. 그에 따르면 인간의 정신은 낙타에서 사자로, 사자에서 아이로 성장한다. ‘낙타’의 단계란 사회가 제시한 규범과 가치에 복종하며 인생의 사막을 걸어가는 것이다. 이윽고 우리의 정신은 ‘사자’가 되는데, 이 단계에서 인간은 기존의 프레임을 부정하고 자유를 포효한다. 그러나 사자의 단계는 파괴로 시작되어 허무로 끝날 뿐이다. 니체는 이 단계를 초극하여 ‘어린아이’의 마음으로 새로 출발할 때에야 비로소 창조의 놀이를 시작할 수 있다고 조언한다. 그리고 이번 11월, ‘순수인’이 대안공간 아트포럼리에서 선보이는 작업들은 “어린아이는 순수이고 망각이며, 새로운 출발, 놀이”라고 했던 니체의 바로 그 표현을 상기시킨다.

‘순수인’은 노혜인과 박경수 두 작가로 구성된 예술가 그룹이다. 대학 선후배 사이로 회화를 위주로 작업하던 이들은 작가로서의 공통된 목표 의식을 가지고, 지난 2019년 순수인을 결성했다. 그들의 목표 의식이란 다름 아닌 ‘어디에서나 원리 작용이 일어날 수 있다’는 것이었다. 이는 학부 졸업 후 두 작가가 늘 짊어져왔던 고민의 편린들에서 비롯되었다. 노혜인 작가의 말을 빌리자면 이들은 예술가의 길이 암묵적으로 정해져 있는 것은 아닌지, 그들이 하는 행위가 과연 일반 향유자들을 위한 것인지 고심을 거듭했다고 한다. 그 결과 이 젊은 두 작가는 상식의 맹점, 고정관념에 대한 반항 의식을 가지고 고정된 프레임에 딴죽을 걸기 시작했다. 그리고 이러한 반란은 자연스럽게 기존에 놓치고 있거나 생각하지 못했던 부분들을 원점으로 환원하려는 노력으로 이어졌다. 니체의 말마따나, 스스로가 낙타와 같은 삶을 영위하고 있는 것은 아닌지 먼저 성찰하고, 사자의 정신으로 그것을 전복시키며, 종국에는 어린아이의 입장으로 돌아가 변모의 시점을 찾으려는 것이다.

이번 전시에서 노혜인과 박경수 작가가 순수인의 이름으로 전달하려는 것은 한마디로 ‘표시하는 것과 표시 되는 것에 대한 이야기’이다. 그러나 이들이 전달하는 이야기는 인간이 만들어낸 같은 개념, 가령 언어나 도상을 동원하는 익숙한 표상 작용으로부터 벗어나 있다. 순수인이 선보이는 작업의 스펙트럼은 더 넓다. 그들은 작품과 행위자 모두가 객체로서 평등하게 마주하는 상황을 연출하여, 작품을 보는 향유자가 자신만의 경험이나 감각 등을 동원하여 새로운 이미지를 연상시킬 수 있도록 유도한다. 객체가 발생시키는 현상과 또 다른 객체가 이를 받아들이는 상태에만 온전히 집중하는 것이다.

이와 같은 순수인의 작업을 보고 있노라면, 해변에서 모래성을 쌓는 아이들이 문득 떠오른다. 파도가 자꾸 밀려와서 모래성을 망가뜨리는데도, 아이들은 멈추지 않고 계속해서 모래성을 쌓는다. 그들은 오로지 순수한 즐거움을 위해 모래성을 쌓고 부수고 다시 시작한다. 모래성을 새로 쌓기 위해서는 먼저 기존의 모래성을 반드시 허물어야 하듯, 우리가 세계에 대한 새로운 관점을 만들기 위해서는 우선 틀에 짜인 관점을 딛고 우뚝 올라서야 한다.

<알던 것 분의 알 것>이라는 이번 전시의 제목은 바로 이러한 원리를 함축하고 있다. 전시장에 들어서면 감성적인 텍스트들이 감상자들을 가장 먼저 맞이하는데, 곧이어 이 텍스트들과 전혀 무관한 드로잉과 영상 작업이 등장하면서 우리가 텍스트를 통해 예상했던 익숙한 연상 작용들이 철저하게 무너져버린다. 여기에 풍선과 거울, 러그 등의 오브제들이 바닥에 마구잡이로 자리한 현상을 접하면서, 감상자는 사회적 약속과 언어를 아무렇지 않게 수용해왔던 프로세스에 근본적인 의문을 품고 생각의 틀을 다시 짜게 된다. 요컨대 모든 것은 알던 것 안에서 이루어지기 마련이지만, 누구나 몸살을 심하게 앓고 나면 면역력이 강해지는 것처럼 우리는 순수인의 작업을 통해 오래된 틀을 깨고 새로운 프레임을 형성하게 되는 것이다.

코로나 19로 인해 단조로운 일상이 기약 없이 짙어지는 요즘, 예술가적 창의성을 타고났으나 본성을 억누르며 살아가는 ‘낙타’같은 우리에게 하루의 작은 틈을 만들어 줄 ‘놀이’가 필요하다. 예술이, 놀이가 일상으로 들어올 틈을 허락하는 것이다. 대안공간 아트포럼리에서 펼쳐지는 순수인의 자유로운 놀이, 창조하는 유희는 기존의 가치와 규범을 전복시키는 유쾌한 관점을 제공해준다. 순수인의 작업을 경험한 향유자라면 누구나 그와 같은 변화의 과정에 함께 들어섬으로써, 생각의 각도를 달리하고 삶을 새롭게 긍정할 수 있을 것이다.

■ 작 가 노 트 

한 사람이 어떤 단어를 말하면 그 단어는 머릿속에 이미지로 떠오른다. 하지만 같은 단어를 말하더라도 떠오르는 이미지는 약간씩 차이를 가질 것이다. 가령 ‘집’이라는 단어를 듣거나 본다면 어떤 ‘집’을 떠올릴까? 실내일지도 모르고 집 전체의 모양일지도 모른다. 이렇게 어떤 단어에 대한 이미지의 연상 작용은 완전하지 않다. 하지만 완전히 같지는 않다 하더라도 현상을 최대한 객관적으로 전달하기 위해 언어라는 수단이 생겨난 것은 불가피했을 것이다. 객체마다 경험이 다를 수밖에 없고 그것에 따라 사고방식이 다르기 때문에 누구나 공감할 수 있는 기호를 만들어 현상을 설명한 것이다. 하지만 이 과정에서 완벽하게 의미를 전달하는 것은 불가능하다. 언어 자체에는 아무 의미가 없기 때문이다. 전달되는 기호는 기호일 뿐이다. 그렇다면 의미 자체는 전달되거나 이동하는 게 아니라 전달 받은 인식 안에서만 존재하는 것이 아닐까. 잠재적으로 있었던 의미가 특정한 기호를 전달 받는 순간 생성되는 것 아닐까. 순수인의 이번 작업은 여기서 시작된다.

대상에 가치와 의미를 생성하는 것은 특정한 기호가 아닌 기호를 습득한 객체다. 이런 맥락으로, 작업에서는 텍스트와 이미지를 교차적으로 제공한다. 서로 연관이 있을 수도 없을 수도 있지만 이것에 대한 판단은 감상자의 몫이 될 것이다. 텍스트와 이미지가 연관이 지어진다면 다른 대상을 떠올리지 않을 것이고 연관이 없다면 이미지에 따른 새로운 기호를 떠올리거나 연상되는 다른 이미지를 떠올릴 것이다. 이런 작업에서 의도하는 바는 기호의 새로운 이미지에 대한 연상이거나 이미지의 새로운 기호가 출현하는 것이다. 기호가 정확하게 한 가지 이미지만을 지시하는 것이 아니라면, 같은 기호는 수많은 이미지를 지시하고 이것을 모아 보면 모두 다른 대상인 것이다. 다르게 말하면 한 가지 이미지를 여러 기호를 통해 이야기할 수도 있다는 의미가 된다. 이렇게 한 쌍으로서 연결되지 않은 기호와 이미지는 재배열 될 수 있을 것이다. 하나의 이미지에 다른 기호를 배치한다고 해서 의미가 변질되는 것은 아니기 때문이다. 이렇게 기호는 언제든 바뀔 수 있다. 원리 역시 언제든 바뀔 수 있다. 모든 의미는 정신에 이미 내재되어있기 때문에 어디서부터 시작된 지 알 수 없는 기호에 의해 의미 자체가 퇴색되진 않을 것이다. 중요한 것은 의미가 생성된 계기와 출현하는 과정이다.

이런 표상 작용 전체를 흔드는 작업을 통해, 의미가 형성되는 과정을 되짚어 보고 하나의 대상이 특정한 기호라는 프레임 안에서만 의미를 부여 받지 않고 대상 자체로 인식될 수 있는 상황을 만들고 싶다. 대상에 대한 새로운 인식이 단지 보이는 측면 뿐 아니라 보이지 않게 암묵적으로 정해진 메커니즘과 패턴까지 확장되었으면 한다.

알던 것 분의 알 것 _텍스트 ,드로잉,평면,설치,영상_가변설치_2020

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■ 전    시    명 : 삼작(三作)

■ 작    가    명 : 이능재, 선무, 조은용, 박상덕, 김준서

■ 전 시 기 간 : 2020. 11. 05. (목) – 11. 27. (금)

■ 장            소 : 디포그

■ 문            의 : artforum.co.kr / T.032_666_5858

■ 기            획 : 대안공간 아트포럼리

■ 아트디렉터 : 이훈희

■ 큐 레 이 터 : 조은영,유상아

*전시 관람은 예약제로 이루어 집니다.

아트포럼리의 또 다른 전시장소인 ‘디포그’는 현재 담당자가 항상 상주해 있지 않습니다. 전시관람을 원하시는 분들은 아트포럼리 번호로 예약을 해주시기 바랍니다.

관람시간 : 월-금 (10:00~18:00)

<삼작>관람 예약 문의 : 032)666-5858

■전시 서문

삼작 三作, 삼정동 거버넌스의 활로를 개척하다.

아트포럼리 큐레이터 조은영

• 삼정 르네상스의 원동력 – 아트포럼리와 디포그

800년 전, 고려 말의 시성 (詩聖) 이규보 (1168~1241)는 부천의 옛 모습을 보며 “사방으로 물이 푸르고 넓어 섬 가운데에 들어왔는가를 의심했다”고 기록한 바 있다. 서해조수가 한강하구를 통해 밀려들어오는 까닭에, 예부터 부천 사람들의 삶은 늘 물과 가까웠기 때문이다. 특히 역사적 부침이 심하지 않았던 부천에는 물과 연관된 옛 지명의 뜻이 그대로 남아 있는 경우가 많은데, 바로 이곳 삼정 (三井) 또한 부천 선인들의 오랜 체취를 머금고 있는 대표적인 지역이라 하겠다.

셋이라는 삼 (三)은 고대에 ‘사’ 혹은 ‘시’로 불리었는데, 이렇듯 삼정의 땅이름은 ‘세 개의 우물’을 뜻하는 ‘시우물’에서 비롯되었다고 한다. 서쪽의 바닷물을 통해 김포·부평과 맞닿아 있었던 삼정은 1980년대에 도시계획이 진행되면서 대규모 공단지역으로 변모하기 시작했다. 공장들이 줄줄이 들어서고 열병합발전소와 쓰레기 소각장도 건립되면서, 어느새 삼정은 부천의 대표적인 공해지역이 되어버렸다. 영세 제조업체들과 환경기피시설로 인해 주거 환경이 열악할 뿐만 아니라, 이 지역은 교육·문화·주민편의시설이 절대적으로 부족한 탓에 긴 시간 상대적인 소외감에 시달려왔다. 다시 말해 오늘날 삼정은 도시환경을 조성해야 한다는 발전과제를 안고 있다.

삼정이 당면하고 있는 현안은 경제성장의 결과로 나타난 패러다임의 변화와도 결부되어 있다. 2000년대 이후 부천의 도시경제구조가 제조업 중심에서 서비스업 중심으로 바뀌는 탈공업화 현상을 겪었기 때문이다. 산업의 전환과 도시의 확장, 재개발의 유예로 생겨난 틈새에서, 삼정에 위치한 다수의 생산 시설들은 점차 아무도 돌보지 않고 찾지 않는 유휴산업시설로 남게 되었다. 그러나 이러한 유휴산업시설들은 ‘도시의 쇠퇴’를 증명하는 장애물이 아니다. 이 공간들은 시대적 역사성을 내포한 귀중한 자원으로서, 오히려 ‘복합문화공간’으로 활용될 수 있는 무한한 잠재력을 지닌 용지로 인식되고 있다. 가령 삼정동 소각장은 지난 2018년, 복합문화예술공간인 ‘부천아트벙커b39’로 재생됨으로써 유휴지 개발의 방향성을 제시한 바 있다.

하지만 유휴산업시설의 가치를 재발견하는 과업은 해당 지역을 둘러싼 여러 참여주체들의 자발적인 활동과 의욕이 선행되어야만 보다 궁극적인 의미에서 달성될 수 있다. 그러한 의미에서 대안공간 아트포럼리가 부천의 유일한 기획 전시 공간으로서 지난 10여 년 간 걸어온 행보는 대단히 고무적이다. 아트포럼리는 문화예술과 관련하여 제기되어왔던 지역에서의 오랜 요구에 응답하고, 지역성을 함축한 예술을 형성하고자 그간 부단한 노력을 기울여왔던 것이다. 아트포럼리의 이러한 행적은 2012년, 삼정동에 위치한 기업 디포그와 함께 레지던시 ‘사슴사냥’ 프로그램을 운영하기 시작하면서 한층 체계화되었다. 수백 년 전 메디치 家의 메세나 활동으로 르네상스가 꽃을 피웠듯이, 중앙 시스템의 결핍이라는 녹록지 않은 여건에서도 아트포럼리와 디포그는 ‘기업과 예술의 만남’이라는 메세나 정신을 실천하며 지역민들의 예술 향유에 기여한 것이다.

• 소소한 마주침들 – 삼정 예술장을 창출하는 원천이 되기를 꿈꾸며.

‘사슴사냥’ 레지던시는 비록 2018년을 끝으로 마무리되었으나, 2021년 아트포럼리는 민간에서 진행되었던 이 프로그램의 한계를 알리는 동시에, ‘공공 레지던시’가 지역에 새로이 구축될 수 있도록 다시금 박차를 가하려 한다. 여기서 새롭게 설정된 목표점이란 ‘사슴사냥’을 이끌던 작가들을 주축으로 네트워크를 형성하여, 삼정동 舊 공단 지역에 일종의 ‘예술가촌’을 형성하는 것이다. 이때 핵심은 네트워크, 즉 마주침이다. 네트워크는 예술가들이 제도 밖에서 삶을 유지하고, 또 작업을 이어가기 위해 의존하는 핵심 수단이다. 예술가들은 각자의 작업실에서, 식사와 술자리에서 일상적이고 우연한 만남을 이어가며 그들의 삶과 예술의 초석이 되는 네트워크를 형성해 나간다. 그리고 ‘예술이라는 아름다운 활동이 도시를 구원하리라’는 미명 아래 예술의 역할이 도시 정책에서 점차 커지는 상황에서, 현대의 도시 정부가 예술가들의 네트워크에 크게 의존하는 것은 자연스러운 수순이라 하겠다.

흥미로운 점은 예술가들이 네트워크를 기반으로 활동하면서, 지역 사회에서 공유되는 다양한 문화적 환경 즉 ‘공통재 (커먼즈, commons)’를 생산한다는 점이다. 커먼즈란 시장을 통하지 않고 이용할 수 있는 공동의 자원을 뜻하며, 비시장적인 방식을 통해 삶을 재생산한다는 점에서 대안적인 삶의 양식이기도 하다. 그리고 현대 사회에서 집합적인 활동을 거쳐 커먼즈를 생성하는 가장 대표적이고 가시적인 생산자는 바로 도시 예술가들이다.

지금 여기, 아트포럼리와 디포그를 주축으로 모인 다섯 예술가들 (김준서, 박상덕, 선무, 이능재, 조은용) 또한 소소하고 일상적인 마주침을 거듭한 끝에, 삼정동의 새로운 커먼즈를 생산한다는 하나의 뜻을 가지고 결집하였다. 궁극적인 목표는 부천의 역사적·사회적 상징성이 축적된 삼정을 문화적 가능성을 지닌 공간으로 새롭게 구현하고, 예술가와 삼정동 공장들의 네트워크를 견실하게 갖추는 것이다. 다만 팬데믹의 공포가 엄습해오는 상황에서 이 네트워크가 지역 내에 커다란 공명을 일으키기 위해서는 한층 구체적인 실천 방안이 정립되어야 할 것으로 보인다. 그럼에도 작가들은 이 같은 코로나의 난관을 딛고, 우선 프로젝트의 인프라를 확충하는 차원에서 본 전시를 통해 ‘삼작’의 노선과 방침을 정식으로 표명하려 한다.

이러한 측면에서 볼 때 삼정동 프로젝트는 ‘문래 창작촌’의 사례와 다소 닮은 구석이 있다. 문래동의 경우 역시 열악한 폐공간을 중심으로 작가들이 자생적인 네트워크를 이루고, 이렇게 형성된 예술공단을 통해 지역 공동체와 긴밀하게 융합되었기 때문이다. 그러나 예술가들이 낙후해 가는 환경의 빈틈에 스며들어 그곳이 내포한 잠재력을 발견한다는 공통점을 제외하면, 두 프로젝트 사이에는 뚜렷한 차이점이 있다. 디포그와 함께 성취했던 메세나적인 문화 정신과 효과를 더욱 배가하기 위해, 이번 프로젝트는 제조업을 토대로 하는 삼정동 내 “기업들”을 참여 주체로 적극 개입시키기 때문이다. 실제로 홍보 측면에서 메세나가 갖는 효과는 이미 광범위하게 입증되고 있다. 문화 활동에 기여함으로써 기업 이미지를 사회 계층에게 널리 알리고, 직원들에게도 애사심과 소속감을 더욱 공고히 하였던 사례를 우리는 쉽게 찾아볼 수 있다. 이처럼 메세나가 독창적인 기업 커뮤니케이션으로 각광을 받고 있는 바, 본 프로젝트는 노동의 결과물이 예술에 활용될 수 있음을 참여 기업들과 함께 증명하여 노동의 가치와 존엄성을 확립하고자 한다. 삼정동의 ‘삼 (三’)과 세 가지 참여 주체들, 즉 [아트포럼리+기업+지역]의 ‘창작 행위 (作’)를 결합한 ‘三作’이라는 프로젝트 명칭이 바로 이러한 의도를 드러낸다.

이처럼 삼작 프로젝트는 작가 – 기업 – 지역이 함께 즐기고 교류함으로써 얻는 에너지를 바탕으로, 쇠퇴해가는 삼정동에서 삶의 창조성을 발산하고 실현할 것이다. 그리고 네트워크를 통해 공통의 부, 커먼즈를 창출할 때, 예술은 제도적 환경에 갇힌 엘리트적 전유물이 아니라 변화를 꿈꾸는 이라면 누구나 할 수 있는 행위로 승화된다. 본 프로젝트가 다원적 주체들의 쌍방향 소통을 지향하는 ‘커뮤니티 아트’와 그것의 터전을 마련한 ‘문화민주주의’에 기초하고 있음을 상기할 때, 이는 자연스러운 귀결이라 하겠다.

특히 각 지자체들이 ‘문화 도시’에 높은 관심을 보이고 있는 오늘날, 문화민주주의는 이 시대의 필수적인 정책 이념으로 부상하고 있으며 그러한 점에서 삼작 프로젝트는 ‘문화 도시 부천’에 커다란 자양분이 될 것으로 본다. 주지하다시피 부천은 다른 도시들보다 비교적 이른 시점부터 문화 도시의 이미지와 정체성을 선점해왔다. 공업도시 기반이 점차 약화되는 현상을 극복하기 위해, 도시 발전의 새로운 전략으로 문화 도시가 설정되었기 때문이다. 그러나 관을 중심으로 하는 행정중심 일변도의 정책으로 인해, 일각에서는 부천의 문화예술이 정치에 종속되어 있다는 비판을 가하기도 한다. 따라서 부천시에서는 정부와 민간단체, 시민 등 다양한 이해관계자들이 직접 참여하는 ‘지역문화 거버넌스’를 추구하고 있는데, 이는 삼작 프로젝트가 지향하는 목표와 명확히 일치한다.

그렇다면 이번 삼작 프로젝트는 부천이 바로 필요로 하였던 당면 과업을 떠맡은 셈이다. 이 프로젝트는 삼정동이 갖는 역사적 상징성뿐만 아니라 산업구조의 변화로 인해 방치된 산업 시설물을 재생하고, 이 모든 절차를 참여 주체들과의 협력 속에서 완성하여 시민의 진정한 문화 정체성을 고양하고자 하는 까닭이다. 이토록 중대한 지역적 과제를 떠안고 있는 만큼 이번 프로젝트는 향후 5년간 추진될 계획이며, 예술가와 지역, 공단이 삼작의 본래 의도에 걸맞은 거버넌스적 절차와 합의를 도출하여, 삼정동 내에 진정한 지역사회 예술장이 창조되기를 바란다.

이능재_삼정사거리 100m _Mixed Media_270x350_설치_2020

선 무 – 디포그 DFEOG oil on canvas 91x73cm 2020

조은용1- 베르네천의 유령들_단채널 비디오,UHD_9분 20초_2020

조은용2 – 스키밍#2_유리 어항에 스키머 정화장치,여과재,활성탄,네오a,오염된 물을 정화시켜 키운 공기 정화식물,식물생장등_가변크기_2020

상 덕 – 덕큐멘터리_VHS(비디오테이프) 재생_2020

김준서_삼작테이블_150x60x80_혼합매체_2020

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■ 전   시   명  : 사사 (私事)

■ 작   가   명  : 한석경

■ 전 시 기 간 : 2020. 10. 10. (토) – 10. 31. (토)

*월–토 10:00-18:00 / 매주 일요일 휴관

■ 장            소 : 대안공간아트포럼리

■ 문            의 : artforum.co.kr T.032_666_5858

■ 기            획 : 대안공간아트포럼리

■ 아트디렉터 : 이훈희

■  큐 레 이 터 : 조은영, 유상아

한석경(B. 1982)

한석경은 공간 속에서 발생하는 물질을 소재 삼아 공간과 사물의 관계에 관해 연구하여 이를 평면 및 영상, 설치 작품 등 시각적 결과물로 구현하고 있는 미술가이다. 2016년부터는 분단 상황이라는 한국의 특수한 배경에 관심을 갖고 작업을 하고 있다. 2019년 경기문화재단 경기예술창작지원의 개인전 작가로 선정되어 <시언: 시대의 언어> 전시하였다. 2020년 한국 전쟁 발발 70년을 기리는 전시 <낯선 전쟁>에 참여하게 되어, 현재 국립현대미술관에서 전시 중이다. 국내외에서 개인전 4회 및 130여 회의 그룹전을 참여했고, 타 장르의 예술가들과 공간에 관한 협업을 종종 하고 있기에 연극, 영화, 교육, 출판, 여러 종류의 예술 프로젝트 등에서도 활동하고 있다.동덕여자대학교 회화과를 졸업(2008)하였다.

작 가 노 트

노인의 시간은 다르게 흐른다. 해보다 빠르게 하루를 맞이하고, 해가 지기 전에 눕는다. 직립의 시계가 다른 형태로 인간에게 쓰이는 것은 아닌가, 라는 생각이 든다. 원래 노인의 근육은 오그라붙을대로 다 붙어버렸기에, 30대 성인이 걸을 때 양 다리에 모래주머니를 차고 걷는 듯한 느낌을 받게 된다고 한다. 느릿느릿 발걸음을 떼고 꼬물꼬물 손을 움직이며 무언가를 하고 있는 모습을 보고 있노라면, 그들의 ‘시간’이라는 것이 분명 다르게 흐르고 있음을 눈으로 확인할 수 있게 된다. 마치 그것은 얼음이 녹는 것과도 비슷한 느낌이다. 사라지는지 미처 몰랐으나, 어느새 손에 쥘 수가 없다.

우리의 몸 속에 기운이 충만할 시에는 마음에 늘상 번민으로 가득하여 미간 사이에 늘 무거움이 자리잡고 있었다. 시간이 지나게 되면 될수록 세상에 대한 기대, 스스로에 대한 생각의 무게감이 덜어지고 그렇게 ‘가벼움’ 이라는 생경한 질량이 인생에 들어서기 시작한다. 그렇게 영원한 소멸로 다가가게 된다.

‘사사(私私)’는 이 일 저 일이라는 뜻으로, 모든 일을 이르는 말이다. 때문에 우리가 흔히 사용하는 ‘사사롭다’라는 말은 공적(公的)이 아닌 개인적인 범위나 관계의 성질을 갖고 있는 것을 뜻한다.

한 사람이 한 세상을 살았고 그렇게 한 세대가 사라지게 된다. 사람의 삶을 다했을 때 모든 것이 사라진 것이 아님을, 개인의 서사가 역사의 한 조각으로 이어질 수 있다는 것을 우리는 망각하고 있다. 사사로울 정도로 익숙한 풍경, 사사롭다고 여기는 빛의 움직임, 사사로운 목소리의 시간들까지. 지금 여기에, 희미한 그 작은 목소리가 아직 있다.

1. 사사롭다 HD채널 5분42초 2020

2. 사사로이#01 사진이미지, 종이에 채색 가변프레임_12.5cm18cm 670mm425mm120 2020

3. 사사로이#02 사진이미지, 종이에 채색 가변프레임_12.5cm18cm 670mm425mm120 2020

사사_전시전경

사사_전시전경

사사_전시전경

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■ 전    시    명 : 공-산(共-産, sym-poiesis)

■ 작    가    명 : 유비호, 이능재, 이원호, 이윤석, 조은용

■ 전 시 기 간 : 2020. 08. 10. (월) – 09. 25. (금)

                          *월–토 10:00-18:00 / 매주 일요일 휴관

■ 장            소 : 대안공간 아트포럼리

■ 문            의 : artforum.co.kr / T.032_666_5858

■ 기            획 : 대안공간 아트포럼리

■ 아트디렉터 : 이훈희

■ 큐 레 이 터 : 조은영,유상아

*현재 사회적 거리두기 2단계가 전국적으로 확대되어 잠시 아트포럼리가 휴관 합니다.

9월 부터 진행하고 있는 웹 전시를 통해 관람해 주시기 바랍니다.

–공-산 전시 동영상으로 이동–

웹 리플렛 링크 – https://artforumrhee.synology.me:5401/sharing/NIWDormhi

(‘해당 작품으로 이동’ 또는 ‘작품 이미지’를 클릭 하시면 작품을 감상 하실 수 있는 웹 리플렛 입니다.)

◆ 대안공간 아트포럼리 객체지향 프로젝트

공-산 (강의)

◆큐알코드를 인식 하시거나 클릭하시면 해당 강의로 이동합니다.

*전시서문

​‘공-산 (共-産, sym-poiesis)’의 미래로 접속하며.

​                                                                        아트포럼리 큐레이터 조은영

​두어 해 전부터 각종 인터넷 커뮤니티를 유행처럼 휩쓴 패러디가 있다. 두 손가락으로 이마를 짚은 인공지능 로봇의 이미지를 게시하고, 여기에 인간을 질책하는 투의 문구를 적어두는 것이다. 이러한 패러디가 웃음을 유발하는 소재로 가볍게 소비되고 있다는 사실은 고도로 발달한 기계와 사이보그 인간, AI와 로봇 등이 우리들 일상에 이미 깊숙이 자리하고 있음을 예증한다. 인공지능이 새 시대의 패러다임으로서 전 국민의 뇌리를 스치게 되었던 대표적인 계기로는 지난 2016년의 ‘알파고 쇼크’를 꼽을 수 있겠다. 반상 (盤上)을 호령하던 이세돌 9단이 ‘알파고’와의 대국에서 3연패 후 1승을 거두었던 이 사건은 여러 의미에서 지구촌에 충격을 던졌다.

AI가 인간을 위협할 수 있다는 아득한 불안감은 단연 주요한 화두로 떠올랐다. 그런데 고도로 발달한 자동 기계와 이것이 인간을 넘어설지도 모른다는 공상은 기실 알고 보면 고전고대까지 소급해 올라간다. 가령 『일리아드』에 따르면 대장장이 신 헤파이스토스는 황금으로 만든 소녀들을 조수로 두었는데, 그들은 살아 있는 인간과 똑같이 보이고 이해력과 음성, 힘도 가졌으며 신들로부터 지식과 기술을 배웠다고 한다. 말하자면 이들은 ‘고대판 AI’인 셈이다. 또한 아리스토텔레스는 ‘만일 모든 도구가 우리의 명령을 받거나 뜻을 미리 알아차리고 제 과제를 완수할 수 있다면, 조수나 노예가 필요 없을 것’이라고 단언했다. 기계 문명의 발달이 가져올 지각 변동을 정확히 예견한 것이다. 그러나 우리 곁에 성큼 다가온 AI의 전망에 대해 비관적인 견해만이 우세한 것은 아니다. 다른 한 편에서는 인간과 AI 사이의 공존을 꾀하고자 하는 의식도 태동하고 있기 때문이다.

바로 이러한 AI의 발전과 이 기술을 토대로 하는 4차 산업 혁명의 여명기에서, 대안공간 아트포럼리는 예술 및 예술가의 존재 방식에 대해 고민의 장을 제시하고자 하였다. 그와 같은 시도는 지난 2017년에 아트포럼리가 기획한 <거의 딥러닝 프로젝트>에서 처음 구체화되기 시작했다. 이 프로젝트는 인공지능이 현대미술과 이미지에 대해 자기학습을 하게 될 경우, 기술시대의 예술이란 과연 무엇일지 의문을 제기하며 추진되었다. 그런데 이듬해, 인문사회학과 예술의 교류를 추진한 프로젝트 <파도타는 키잡이>를 통해 4차 산업 시대를 둘러싼 이슈들을 검토하는 과정에서, 발상의 전환은 빛을 발하기 시작한다.

요점은 기계의 개념이 바뀌었다는 사실이었다. 앞서 언급한 알파고와 미래영화에 나오는 최첨단 기계들은 ‘스스로 최적의 상태에 도달할 수 있는 시스템’, 즉 사이버네틱스 (인공두뇌학) 학문을 모태로 한다. 사이버네틱스는 1948년 미국의 수학자 위너 (Norbert Wiener)가 최초로 사용한 용어로, ‘키잡이 (舵手)’를 뜻하는 그리스어 ‘kybernetes’에서 비롯되었다. 그리고 이토록 절묘한 어원이 암시하듯이 오늘날의 기계와 사이버네틱스의 유기체인 사이보그는 스스로 학습하는 존재다. 말인즉, 오늘날 우리 인간과 사이보그 사이의 경계는 대단히 모호해졌다. 따라서 인간은 ‘우리 모두가 사이보그이자 기계 접합체’임을 부정할 수 없게 되었다. 이와 같은 사실은 4차 산업 시대의 예술에 접근하고자 했던 아트포럼리의 장기 프로젝트에서 하나의 분수령을 이루었다. 이전까지는 인간이 주체의 입장에서 기계를 하나의 대상으로 바라보았다면, 이제는 예술가 스스로가 기계와 묶여진 사이보그로서 작업을 진행하게 된 것이다. 2019년 아트포럼리가 진행했던 4차 예술 프로젝트가 <우리는 인간이었던 적이 없다>라는, 다소 파격적인 제목을 달게 된 것은 이러한 존재론적인 전환을 향한 응집력을 보여준다. 인간의 독립적인 정체성에 의문을 표하는 이 글귀는, 서구 근대주의의 모순을 폭로했던 라투르 (Bruno Latour, 1947~)의 저서 『우리는 결코 근대인이었던 적이 없다』에 대한 오마주이기도 하다.

이질적인 복수의 종 (species)들이 한데 뒤섞여 모여 사는 세상. 이제 예술은 혼종적인 것들이 같이 살 수 있는 방법이란 무엇인지에 대해 담론을 생산해야 하는 과제를 안게 되었다. 그러나 공생의 길은 인간과 전혀 다른 종으로부터 배워야만 실현 가능하며, 한층 획기적인 관점의 변환을 요구한다. 그리고 이것은 ‘동등한 행위소’인 종들이 우연히 조우할 때에 형성되는 주체와 대상의 관계를 혁신적으로 뒤집는 것으로부터 시작된다. 이를테면 인간만이 차지할 수 있다고 암묵적으로 믿어왔던 주체의 자리에 기계, 가축, 바이러스, 세포 등을 배치하는 것이다. 환언하자면 여타의 복수 종들과 상호의존하며 공생하는 ‘객체’로서 인간 존재를 정의하는 사유가 필요하다. 2020년, 대안공간 아트포럼리가 새롭게 추구해 나갈 키워드로 ‘객체 지향’을 내세우게 된 배경은 바로 여기에 있다.

하지만 인간-비인간을 나누어 왔던 장구한 대분할의 벽을 부수고 인간 이성의 월권을 자인하는 패러다임이란 단기간에 확립되기 어렵다. 그러므로 아트포럼리는 객체의 시야를 틔울 수 있는 제일보를 내딛기 위해, 먼저 이 세계를 ‘공-산’의 산물로 바라보고자 한다. 공-산은 페미니스트 과학사가인 해러웨이 (Donna Haraway, 1944~)가 주창한 개념이다. 그 옛날 마르크스는 모든 계급과 소유 법칙이 철폐된 ‘공산’ 사회를 꿈꾸었지만, 사실 인간과 비인간은 어느 누구도 서로를 독점적으로 소유한 역사가 없이 상호의존의 관계로 성실하게 말려 들어왔다. 이것이 바로 공-산이다. 그리고 하이브리드적 공생 관계를 지향하는 공-산의 사유는 인간과 자연, 공간, 인공물, 기술 등이 불분명한 경계로 가깝게 연결되는 4차 산업의 시대에서, 삶의 지표를 설정하는 준거틀이 된다.

전술하였듯이 4차 산업 혁명 시대는 엇갈린 명암을 안고 이미 목전에 당두하였다. 하지만 결말은 아직 열려있다. 공-산의 드라마를 이끌어갈 객체들이 과연 누구인지 아무도 예측할 수 없고, 이 객체들은 느닷없이 서로와 맞닥뜨리며 함께 살아가기 때문이다. 이처럼 복수의 종들이 자유롭게 유영하며 씨줄과 날줄을 엮어내는 패턴은 머릿속을 갖가지 몽상으로 가득 채우는 예술가들에게 무한한 상상의 재료가 된다. 우리의 몸을 당장 생물학적으로 따져 보아도 상상의 보고 (寶庫)를 쉽게 발견할 수 있다.  몸을 구성하는 전체 세포들 중에서 단 10 퍼센트의 세포들만이 인간의 게놈으로 채워져 있고, 이외의 모든 것들은 세균과 원생생물의 게놈 유전자를 갖는 까닭이다. 결국 인간의 정체성은 무엇으로도 보증되지 않는다. 우리는 수많은 세포들이 친밀하게 살고 또 서로를 잡아먹는 군체이자 소행성에 불과하다. 중요한 것은 하이브리드로서 함께 살아가는 패턴을 잘 직조해내는 것에 있다. 그렇다면 낯선 미래를 앞둔 상황에서 과연 어떻게 이질적인 연결망을 창출해낼 것인가? 사이보그이자 행위소, 객체로서의 예술가들이 공-산의 미래를 둘러싼 나름의 고민을 담아낸 이번 전시와 함께, 상호의존과 공생의 토양 위에 세워질 세계에 대해 향후 더욱 깊은 공명이 일어나기를 바란다.

1.유비호_공조탈출_퍼포먼스,영상,사진_2010,2011

2.이능재_Jetzt hier 2020_Mixed media_가변크기_2019,2020

3.이원호_적절할 때까지Ⅱ_2channel 영상_20분_2019

4.이윤석_안녕(安寧)_퍼포먼스및 무대재료_가변크기_2020

5.조은용_달구경 가자_혼합재료_가변크기_2020

객체들이 느닷없이 서로와 맞닥뜨리며 공존하는 패턴은 작가들에게 창작의 원동력이 된다. 가령 유비호 작가의 <공조탈출>은 일반인들의 상호 협력행위를 통해 일상화된 기존 통념과 봉쇄된 현재로부터의 탈주로를 찾는다.

이미지와 문자의 형태를 천착해온 작가 이능재는 <지금, 여기 Jetzt hier>로써 ‘인류가 어디로 향해 갈 것인가’에 의문을 던진다.

새로운 세계를 구축한다는 목표는 이원호 작가의 작품 <적절할 때까지 II>에서도 발견된다.

작가는 배우들에게 아무런 정보도 제공되지 않는 텍스트를 읽게 함으로써 자신만의 기준과 해석을 토대로 낯선 미래를 직조해낸다.

이윤석 작가의 퍼포먼스 <안녕 (安寧)>는 객체로서의 인간과 비인간을 한층 직접적으로 조명한다. 무당의 역할을 미술로 가져와, 인간과 비인간을 연결하고 치유하는 무당을 작가가 직접 연기한 것이다.

한편 작업노트 겸 일기장을 활용한 조은용 작가의 <달구경 가자>는 이 노트를 비인간 객체로 소환하였다. 그럼으로써 작가의 노트는 글이라는 매개체를 통해 또 다른 객체인 ‘조은용’을 사회 및 자연 등과 연결하는 무수한 네트워크를 형성한다.

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<Room#005:전시적 카메라 시점> 웹포스터

■ 전   시   명  : Room#005: 전시적 카메라 시점

■ 참 여 작 가  : 김준서

■ 전 시 기 간 : 2020. 07. 01. (수) – 07. 31. (금)

*월–토 10:00-18:00 / 매주 일요일 휴관

■ 장            소 : 대안공간아트포럼리

■ 문            의 : artforum.co.kr T.032_666_5858

■ 기            획 : 대안공간 아트포럼리

■ 아트디렉터 : 이훈희

■  큐 레 이 터 : 조은영, 유상아

김준서, room #005 전시적 카메라 시점

대안공간아트포럼리 큐레이터 조은영

바야흐로 코로나 정국이다. 미증유의 팬데믹 사태로 접어든 지 5개월이 지나가는 지금, 초변화 (超變化)와 초시대 (超時代)의 격랑은 이미 몰아치고 있다. 이와 함께 중요한 화두로 떠오른 것은 단연 ‘비대면’과 ‘언택트’, 언택트에 온라인을 합성한 ‘온택트’일 것이다. 더불어 생활 방역의 일상에서 최근 자주 회자되는 트렌드가 바로 ‘뉴 노멀’이다. 뉴 노멀은 사회적 대변혁으로 인해 이전까지 익숙지 않았던 것이 새로운 표준으로 정립되는 상황을 뜻한다. 투자 전문가 맥나미 (Roger McNamee)가 주창한 이 개념은 2000년대 초반의 IT 버블을 기점으로 대개 경제 용어로 사용되었으나, 이제는 코로나로 맞이하게 된 전례 없는 변화의 시기를 통칭하기에 이르렀다.

학생 없는 교실과 관객 없는 무대. 이처럼 비일상이 일상이 된 요즈음, 코로나19로 직격탄을 맞은 문화예술계는 변화의 시험대 위에 놓였다. 비접촉 온라인 및 디지털 방식에 토대를 둔 플랫폼이 시도되는 한편, 예술을 피부로 접할 수 있는 기회가 줄어드는 상황에서 예술과 예술인의 의미를 진지하게 성찰해보는 움직임도 구체화되고 있다. 그리고 2020년 7월, 김준서 작가가 대안공간 아트포럼리에서 선보이는 이번 작업도 바로 이와 같은 고민에서 출발한다.

# 무의미한 기하학의 변주

전시장 입구를 들어서자마자 보이는 구조물은 이곳을 얼핏 기계실 혹은 공장처럼 느껴지게 한다. 공간을 널따랗게 두르는 원형의 좌대는 그것이 목재인 사실만 제외하면, 끊임없이 부품을 조립하여 이동시키는 생산라인을 연상시킨다. 좌대 위로는 마치 칼로 표면을 매끄럽게 썰어낸 듯한 기하학적 구조물이 대여섯씩 층층이 쌓여 있다. 컬러 에코보드로 제작된 이 형상들은 대량 생산된 제품처럼 반복되며 플레이트 위에서 회전을 거듭한다. 전시장 복도를 가로지르는 또 다른 작품은 진열 방식이 한층 더 간결하다. 좌대의 형태만 직선 모양으로 바뀌었을 뿐, 눈에 띄게 인지할 수 있는 대상은 가지런히 놓인 도형들뿐이다.

기하학적 형상들은 작가가 꾸준히 활용해온 소재이다. 이번 <전시적 카메라 시점>의 조형물들은 2017년 전시 <between be twins>에서 그가 전시 공간 내에 가득 배치했던 형상을 오밀조밀하게 축소한 것처럼 보인다. 김준서 작가의 지난 전시 <room #003>에서도 기하학적 이미지들은 여러 점의 드로잉으로 재현된 바 있다. 즉 기하학적 형태는 그의 작품들에서 나타나는 형식상의 유사점이라 하겠는데, 작가 본인의 말을 빌리자면 이러한 형태는 공간 안에서 무의미하게 사용되는 중립적인 오브제에 불과하다. 작가는 그저 도면을 제작하는 과정에서 활용하기 편한 직선 형태를 선호할 뿐, 그의 작업에서 조형적인 것들은 어떠한 의미도 내포하지 않는다. 기하학적으로 다양한 변주를 거듭하는 이 조형물들의 제목이 무어라 이름 할 수 없는 ‘무제’들로 붙여진 것은 관람의 주안점을 다른 곳으로 유도하고자 하는 작가의 의지를 보여주는 듯하다. 이번 작업에서 목재를 주로 사용한 이유도 제작과 가공의 편의성을 높이기 위함이었다고 작가는 일언의 설명으로 간추린다.

# 카메라를 멈추면 안 돼

‘조형적인 형태에 의미가 없다’는 작가의 발언에서, 우리는 그가 보여주고자 하는 작품이 기존의 작품 개념에서 탈피해있음을 유추할 수 있다. 다시 말해 이번 전시의 주제는 조형물에 있지 않다. 그렇다면 이쯤에서 ‘전시적 카메라 시점’이라는 제목을 다시 곰곰이 더듬어 보자. 전시명을 염두에 두고 공간을 유심히 둘러보면, 실제로 카메라가 이번 전시의 구심점 역할을 하고 있음을 깨닫게 된다. <무제 1>과 <무제 2>에서 조형물들 사이에 둘러싸인 카메라는 무심한 듯, 그러나 렌즈 앞에 놓인 대상의 면면을 쉴 틈 없이 기록하고 있다. 카메라 렌즈에 포착된 조형물의 모습은 복도 양 옆의 스크린을 통해 화면상에 나타나는데, 그 양상이 자못 생경한 인상을 준다.

두 눈으로 직접 바라본 전시 풍경은 분명 의미를 알 수 없는 조형물들과 평범한 좌대의 조합일 뿐이었다. 하지만 카메라의 시점은 관람자를 흡사 거인국에 입성하는 소인으로 만들어, 오밀조밀하게 조립되었던 도형들이 거대한 물결처럼 보는 이에게 밀려들어오고 스쳐 지나가게 한다. 더구나 <무제 1>은 카메라와 함께 회전하는 T5 조명이 빛을 시시각각 달리 표현함으로써, 형상을 꼭 3D 입체 도형과 같이 비추어낸다. 생소한 광경은 <무제 2>에서도 두드러진다. 소형의 액션 카메라가 조형물 사이를 유유히 지나가면서, 렌즈에 투영되는 대상이 거대한 오벨리스크를 연상시키며 시야를 채우는 것이다. 그런데 이 모습을 가만 보고 있자니 문득 미묘한 혼란에 빠져든다. 작가가 선보이는 작업은 그가 손으로 빚어내고 내가 눈으로 바라보는 조형물인가, 아니면 카메라의 렌즈가 관찰하여 영상으로 실시간 송출되고 있는 형상인가. 전시장은 좌대와 조형물들이 설치된 현실의 공간인가, 스크린에 비친 웹상의 공간인가.

# 슬기로운 전시 방식을 향하여

공간은 작가 김준서가 말하는 작품의 요체이다. 공사장이든 운동장이든, 작가는 그가 직접 경험한 공간의 느낌을 전체적으로 활용하는 데에 주안점을 둔다. 이번 전시에서도 마찬가지이다. 고민의 깊이는 오히려 한층 심화되었는데, 요컨대 김준서 작가에게 이번 <전시적 카메라 시점>은 고착화된 전시 형태와 공간의 한계를 초월하기 위한 ‘실험’이라고 할 수 있다. 그러므로 작가가 문화예술계의 침체를 호전시킬 수 있는, 명쾌한 전시 방식을 제시하는 것은 아니다. <전시적 카메라 시점>에서 그가 뚜렷하게 드러내고자 하는 바는 단 한 가지, 즉 조형물과 조형물을 촬영하는 기계 장치, 그리고 카메라가 대상을 투영하는 상황을 하나의 작품으로 결합한다는 사실 뿐이다. 그리고 작품을 통해 양산될 수 있는 그 밖의 모든 이슈들은 현실화된 팬데믹, 더 근본적으로는 4차 산업혁명에 직면하면서 작가가 품게 된 ‘더 나은 전시 방식’에 관한 물음을 증폭시켜 나간다.

여기서 작가와 아트포럼리에게 공통으로 제기되는 쟁점으로는, 일차적으로 전시 공간을 둘러싼 문제를 들 수 있겠다. 이는 특히 아트포럼리가 ‘포스트 ◯◯◯’ 시대에 직면한 시각 예술의 향방을 주시하면서 현재 촉각을 기울이고 있는 현안이기도 하다. 가령 네트워크를 통해 작품이 실시간으로 스트리밍되는 화면을 전시 공간으로 볼 수 있는지, 전시 공간을 정의해왔던 기존의 관습은 과연 타당한지에 관한 의문이다. 이것은 다음의 질문들로 꼬리에 꼬리를 물며 이어진다. 작품과 전시 풍경을 송출하는 영상은 예술과 상업의 경계 위에서 어떻게 균형을 잡는가? 예술가는 급변하는 시류에 반드시 편승해야 하는가? 예술 작품의 진정성은 어디에서 찾을 수 있는가?

뉴 노멀이 문화예술의 새로운 저변으로 확산되는 오늘의 시점에서, <전시적 카메라 시점>이 던지는 물음은 사뭇 묵직하게 다가온다. 그러나 작가는 일체로 침묵을 지키며 답을 보류한다. 슬기롭게 전시를 향유할 수 있는 방식이란 무엇인지, 판단은 바로 관람자 당신의 몫이다.

1. 김준서_무제1_2400 x 2400cm_나무, t5조명, 모터_2020

무제1_송출화면

2. 김준서_무제2_4800 x 4800cm_나무, 모터, 체인, 컬러보드_2020

무제2_송출화면

리플렛

***2020년 7월, 대안공간 아트포럼리가 실험적인 전시로 향유자 여러분들과 만나고자 합니다.***

바로 김준서 작가님의 <Room #005: 전시적 카메라 시점>인데요, 얼핏 보아서는 최근 많은 전시 공간에서 시도되고 있는 ‘온라인 전시’처럼 느껴지지만 실상은 그렇지 않습니다.

기하학적인 조형물 – 조형물을 실시간으로 촬영하는 카메라 – 카메라 시점의 영상이 송출되는 스크린 화면. 김준서 작가는 이 모든 것을 하나로 결합하여 ‘작품’으로 선보입니다.

그렇다면 이 전시는 과연 어떤 메시지를 전달하는 것일까요? <전시적 카메라 시점>은 예술가와 작품, 전시 공간이 가졌던 기존의 의미를 ‘재고’해보고, 급변하는 오늘의 시대 환경에서 보다 나은 전시 방식이란 무엇인지 실마리를 짚어보는 전시입니다.

아트포럼리와 김준서 작가님의 공통된 고민의 흔적들이란 무엇인지, 전시 영상을 보시거나 직접 방문하셔서 확인해보시기 바랍니다.

– <무제 1>과 <무제 2>은 카메라 시점에서 실시간으로 영상이 송출되며, 아트포럼리 유튜브 채널과 페이스북으로 감상할 수 있습니다.
– 스트리밍 재생 시간은 월~금요일 11:00-13:00, 15:00-17:00입니다.
– <무제 1> https://www.youtube.com/channel/UCOqyaO1-CAq60cvELvXc8CA?view_as=subscriber
– <무제 2> https://www.facebook.com/artforumrhee

김준서(B. 1982)

타마미술대학교 대학원 예술연구과 조각전공박사전기과정 졸업

홍익대학교 미술대학 조소전공 졸업

<이력>

2018. 4 morph, 대안공간 엘리펀트, 서울, 한국
2019. 11 3hx33m2xfive, 대안공간 엘리펀트, 서울, 한국
2020. 9 6-17 between be twins, 재미랑5호, 서울, 한국
2021. 2 room #003, 갤러리엘리펀트, 서울, 한국

2011.3 五美大展 , 도쿄 신미술관, 도쿄,일본

2010.9 sadu 韓日交流展, 갤러리k, 도쿄,일본

외 다수

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2021년 대안공간 아트포럼리의 <세포를 다시 조직하라> 작가 공모 결과를 아래와 같이 발표합니다.

여러 작가분들의 포트폴리오를 통해 예술의 앞길에 대한 전망적인 시각을 다시 한 번 되짚어볼 수 있었습니다.

공모 공지에서 밝힌 바와 같이, 아트포럼리는 ‘객체 지향’적인 시각으로 예술의 새 지형을 ‘함께’ 공부해 나갈 수 있는 작가들을 모색하는 데에 평가 지표를 두었습니다.

따라서 저희 공간과의 네트워크를 지속적으로 가동해나갈 수 있는지의 여부도 주요한 기준이었음을 밝힙니다.

공모에 높은 관심을 가지고 지원해주신 예술가분들께 다시 한 번 감사의 뜻을 표하며, 2021년을 함께할 새로운 작가님들과 더불어 더욱 좋은 전시로 만나 뵙겠습니다.

감사합니다.

2021년은  김태덕, 이송, 이지민, 전승일 작가님과 함께하게 되었습니다.

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◆큐알코드를 인식 하시거나 클릭하시면 해당 강의로 이동합니다.

*코로나19 예방을 위해 양일 각각 참석 인원을 15명으로 제한했습니다.

참석을 희망하시는 분들은 아트포럼리 메일로 문의 주시기 바랍니다. 

artforumrhee@gmail.com

**현재 18일(목) 강의는 15명 정원이 모두 마감되었습니다. 감사합니다.

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2021년

대안공간 아트포럼리

작가 공모

세포를 다시 조직하라.

대안공간 아트포럼리는 향후 5년 간 추구해야 할 키워드로 ‘객체 지향’을 선택했습니다. 거대 담론이 썰물처럼 퇴조해버린 상황에서 문화의 지형은 재편되고 있으며, 이제는 판데믹 (Pandemic)의 도래에 대응할 수 있는 네트워크를 새롭게 가동해야 할 필요성도 제기되고 있습니다. 따라서 아트포럼리는 이러한 관점을 함께 고민하고 공유할 예술가들을 찾아, 이들과의 관계망을 구축하고자 합니다.

■ 공모기간 : 2020년 05월 25일 – 06월 15일 10:00까지

■ 공모분야 : 시각예술 분야 예술가 0명

■ 선정방식

– 1차 포트폴리오

– 2차 인터뷰

■ 제출서류

1.지원신청서

2021 대안공간 아트포럼리 작가공모 지원서

1 파일 26.50 KB

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2.작가노트

3.이력서(자유형식 프로필)

4.포트폴리오 (작품 이미지)

* 반드시 PDF파일로 제출

* 영상작가의 경우 (5점 이내 / MP4, AVI파일)

* 필수 제출 자료 외에 추가 서류가 있을 경우, 이메일로 별도 제출해주시면 됩니다.

■ 제출방법 : artforumrhee@gmail.com 이메일 접수

■ 지원 내용

– 전시 공간

– 평론

– 온라인 홍보 (네오룩 아카이브·배너, SNS, 보도자료)

– 오프라인 인쇄물 (리플렛, 현수막, 홍보배너)

■ 결과 발표

– 1차 서류심사 후 6/19(금)까지 인터뷰 진행

– 최종발표: 6/22(월) 아트포럼리 홈페이지 공고 및 합격자 개별통지

* 06월 15일 10:00까지 도착한 메일에 한하여 심사합니다.

■ 문의

아트포럼리 경기도 부천시 원미구 조마루로 105번길 8-73

artforumrhee@gmail.com

032-666-5858

월~금 (10:00-18:00)

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