김성건 kim sung-gun

<김성건 수묵전  Reality in Red>

2005.10.24 (Mon) – 11.6(Sun)

리얼리티의 현장성

이번 전시를 기획하면서 가장 주목하는 것은 현장성이다.

‘그림공장’ 이라는 미술운동단체에서 활동해온 작가의 삶이 현실주의적 감각으로 현장에 대해 발언하고 개입해 들어가는 과정과 그 결과물들을 염두 해 둔 것이다. 또한 현장성과 미적 감각이 균형을 이루며 보기 드문 뚝심으로 집적적인 작업경향을 일관해온 작가를 발굴해낸 성과를 들 수 있다.

첫 번째 개인전을 선보이는 김성건은 ‘붉은 띠’라는 주제로 남한사회의 해묵은 과제들, 통일, 자신의 터전을 빼앗긴 소외된 민중, 힘의 논리에 무력했던 역사적 사실과 그럼에도 불구하고 희망의 끈을 놓지 않고 있는 사람들의 모습을 담고 있다. ‘붉은’색은 분단의 아픔을 겪고 있는 우리에게 매우 익숙한 단어이며 또한 이념적인 성향을 드러내는, 다의어로서 작가의 작업세계에 접근하도록 한다.

그의 작업과정은 역사의 일면을 소재로 하여 작업의 매듭을 풀어나가며 객관적인 현실세계에 대한 리얼리티를 찾아가는 것이다. 일상생활에서 체험하고 사고한 바를 그림으로 종합해 내는 것, 혹은 삶으로부터 유래하는 자아와 실존을 작품에 투영하는 것이다. 그의 작업을 보면 개인의 역사에 비해 그의 경험과 감수성이 얼마나 많이 단련이 되어있는가를 가늠하게 한다.

김성건의 수묵화는 형식적으로 점을 중첩하여 먹의 농담을 현대적인 미감으로 재해석하여 궁극적으로 리얼리티의 현장성을 역사성의 영역으로 연결, 확대시키고 있다. 이러한 작업방식은 80년대의 민중미술과 다른 지점으로 그는 구상작업을 통해 직접성과 현장성을 최대한 확보하면서도 사실의 미묘한 이면, 진실까지 밀착하여 찾아내고자 한다.

현장성을 전제로 하는 작업이 갤러리의 벽에 걸려 사람들의 관조적 시선을 받게 되는 상황 자체가 일종의 아이러니일 수도 있다. 그러나 이러한 전시 의도와 첫 전시의 모순된 경험이 작가에게 어떠한 변화와 발전을 가져올까하는 기대가 그에게 쓴 보약이 되길 바라며 현시점에서 현장성에 대한 계속적인 고찰이 필요한 이유일 것이라 생각한다.

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방혜영

<Reality, Dead or Alive>

2005.7.11-7.31

방혜영의 설치 작업은 작가 스스로 판타지에 대한 지각의 과정을 보여준다. 자개장과 직접 제작한 각양각색의 나비들로 공간을 가득 채워 우리의 일상생활을 상상으로만 가능한 장소, ‘판타지아’로 바꾸어 놓는다. 조개로 존재하던 것이 자개장이 되어 전시장 한 구석을

 차지하고 아이가 꽃밭을 넘어 쫓던 나비가 무리지어 서랍 안에 담겨있다.

방혜영은 인간이 누구나 갖고 있는 아름다운 대상에 대한 소유욕을 전시 공간 벽에, 서랍액자에, 장안에 머물고 있는 나비 떼로, 자개로 표현하여 자연의 아름다움이 인간의 욕망과 충돌을 하고 채집되었을 때 생기는 의미의 전화에 주목한다.

그녀는 몸으로 체험하는 일상을 판타지의 가공할만한 현상이 압도하여 버리는 설치작업을 통해 일상의 리얼리티가 갖는 힘이란 결국 판타지의 산물임을 보여준다.

작가가 생각하는 일종의 나비채집이 전시장을 통해 재현되어 더 이상 움직이지 않는 나비는 이제 미술작품이란 명목으로 우리의 시선을 집중시킨다. 또한 핑크와 블랙이라는 강렬한 색 의 대비는 관객으로 하여금 작가가 제공하는 현실과 판타지의 기묘한 경계에서 느끼는 이중적인 갈등을 경험하게 한다.

그녀는 작업을 현실과 판타지, 인공물과 자연물, 공공적 경험과 개별적 경험을 별개의 것으로 규정짓고 한정하는 대신 양자를 넘나드는 보다 폭넓은 사고와 환상에 대한 예술적 유연성을 잘 보여주고 있다. 이제 우리가 딛고 있는 세계에 대한 인식의 지반을 리얼리티라고 할 때 그 안에 내재된 상상의 진정한 자유로움에 한층 더 다가가 보자.

• 이주연

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도기종 Cho  Sung-Ho

<Reality, Dead or Alive>

2005.6.13 (Mon) – 7.3(Sun)

리얼리티의 낭만성

본 공간에서 올해 기획한 Reality, Dead or Alive展은 다중코드와 다중문화, 계급계층, 현장성, 대중성 등 가치의 해체시기에 창작자의 리얼리티가 과연 존재할 수 있는지, 한다면 어떠한 방식으로 존재하고 있는지에 대한 의문에서 출발했다. 대안공간 아트포럼리에서는 5회에 걸친 전시를 통해 각자의 리얼리티를 펼쳐내는 공간에서 다양한 스펙트럼으로 공존하는 리얼리티의 지반, 동일성을 짚어보고자 한다.   두 번째로 열리는 도기종전은 리얼리티의 낭만성에 관한 고찰이다. 처음 도기종의 작품을 접했을 때 두드러지는 미감은 80,90년대의 민중미술의 맥락으로 읽혀지는 ‘현장성’었다. 당시 민중미술은 민중적인 정서표현이라는 것을 매우 직접적이며 때론 선정적일 정도로 강하게 표현되어졌다고 할 수 있다. 리얼리티가 갖는 힘이 하나의 형식으로 굳어져버린 평가의 토대에서 변증의 과정으로 변화되는 지점을 이 작가의 작업에서 찾을 수 있다. 형식과 내용에서 ‘현실의 재현’에 관한 사유를 읽을 수 있는데 일상 속에 숨어있는 리얼리티의 분화된 담론을 찾아내고 동시대의 현실에 관한 구조적 조망의 지점에 미술사적 의미의 낭만성이 존재하고 있음을 볼 수 있다.   도기종은 도시의 일상을 작품의 주요 모티브로 삼고 있는데, 특히 도시라는 공간과 어떤 것도 정지하여 존재하지 아니하는 도시의 급변하는 익명적 흐름을 잘 드러내기 위해 캠코더를 이용한 순간적 이미지를 포착한다. 캠코더를 통해 수집한 이미지는 스쳐지나가는 사람들의 소외된 찰나적 감성을 단적으로 드러내는 상징물이자, 현시대상을 직설적으로 보여주는 증거물인 것이다. 작가의 시선이 대상을 흔들리거나 고립시킴으로써 작품에 드러나는 사람(들)은 개성이나 정체성을 지닌 주체라기보다는 대중으로서의 요소들로 제시하고 있다.   또한 시선의 내적 갈등을 포함하고 있는 것으로 보인다. 즉, 도시일상 어디서든 볼 수 있는 단면을 하나의 대상으로 바라보며 촬영을 하여 그림으로 그려지기까지 심리적인 갈등이 내재되어 있다. 그 갈등은 작가가 참여자라기보다는 관찰자이며 이미지 채집자로서 일정 거리를 유지하기 위한 노력에서 비롯된다. 그리고 관객이 작품을 어떻게 대하느냐에 대한 작가의 의도이기도 하다. 왜냐하면 관객이 그 이미지를 흔한 대중이 겪는 일상의 조각으로 구경하는 관찰자가 될 것인지, 그 안에서 자신의 모습을 찾아낼지에 대한 선택의 문제가 담겨있기 때문이다. 이제 그가 캠코더의 줌기능을 버리고 스스로 대중의 공간에 들어가 그가 담은 이미지들과의 거리가 없어지는 지점, 일치하는 순간에 관객에게 던질 새로운 질문을 기대해 보고 싶다.

■ 아트포럼리 전시기획자 이주연

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이종진 Lee jong-jin

2005.3.07(Mon) -3.27(Sun)

아트포럼리에서 두 번째로 기획한 이종진 전은 10여년간의 한국에서의 작가 활동을 끝으로 34세라는 적지 않은 나이에 스페인으로 유학을 떠나는 작가에 대한 환송과 격려의 자리이다.

그의 작업은 사회적, 현실적 조건과 내면의 욕망 사이에서 고뇌하며 작가의 자리를 지켜온 자신에 대한 치유와 다짐의 과정이라 보여진다.

구름과 그사이를 뚫고 터져 나온 빛으로 가득한 몽환적인 하늘위에 선명하게 그려진 시계와 암모나이트, 나비는 그의 작업세계를 이해하는 단초일 것이다. 그의 하늘은 봄날의 화창한 하늘이기도 하고 서슬 푸른 날이 뭉쳐진 하늘이기도 하다. 그런 하늘을 지탱하는 것은 낯익은 시계와 중생대의 화석 암모나이트이다. 화면 한쪽의 시계는 현실에서 억압하는 사회적 질서와 봉쇄된 감성에 대한 인식으로 표현되고 또 한쪽은 아주 오랫동안 묵혀와 이제는 표상이 되어버린 욕망이 화석으로 은유되어 환상적으로 존재한다

대칭적으로 구성된 화면은 응축된 에너지에 비해 담담하게 읽힌다. 욕망은 현실적인 결핍에 대한 단순한 보상이 아니라 그 한계를 극복하고 스스로에 대한 비판적인 성찰로 그 의미를 갖기 때문이다. 작업에 드러난 일관적인 모티브는 가상의 현실속에서 재설정된 그 만의 존재론적 의미일 것이다.

이제 그는 정제된 가상의 현실에서 또다른 탈주를 꾀한다.

작가의 생존 생환의 공간에서 계속적인 탈주를 이행하는 그의 아름다운 실천이 어떻게 전이, 전환 될지에 관한 기대와 더불어 새롭게 펼쳐질 가상의 현실이 낙관성으로 점철되길 기원한다.

■아트포럼리 아트디렉터 이주연

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