■ 전시 제목 : 없는 나라

■ 참여 작가 : 전승일

대안공간아트포럼리는 2021년 마지막 전시로 전승일 작가의 <없는 나라>(12.15-12.31)전을 엽니다.

인간을 존중하고 사회적 약자를 보호하며, 정의를 실현하기 위해 존재하는 국가가 공권력을 폭력적으로 행사하고 집단 학살을 자행했던 우리 역사를 주제로 한 영상전입니다.

작가는 1989년 걸개 그림 <민족해방운동사> 제작과 전시 참여 후, 국가보안법 위반으로 구속되어 남산 안기부 지하 밀실에서 고문을 동반한 강압적인 수사를 받고 수감 생활을 했던 국가 폭력 피해의 당사자이기도 합니다.

전승일 작가는 한국전쟁 전후 군대와 경찰의 조직적인 민간인 집단 학살, 즉 제노사이드 사건이 벌어졌던 금정굴 학살 현장과 희생자 합동 위령제를 영상으로 기록하는 등 국가 폭력, 제노사이드, 트라우마 후유장애라는 화두에 천착해 왔습니다. 전승일 작가가 학생 운동을 하던 시기 집회와 시위 강제 진압 과정에서 그림의 원본이 탈취되거나 파괴되었던 경험에서 무한 복제나 배포가 가능한 다른 형식의 시각 매체를 찾게 되었고, 영상과 애니메이션은 그 대안이 되었습니다.

이번 전시에서 상영할 애니메이션 중 <금정굴 이야기>는 작가가 10년 간 살았던 지역, 고양시에서 1950년 벌어진 집단 학살을 담고 있습니다. 작가의 삶을 관통하는 국가 폭력과 제노사이드는 트라우마로 남았고, 작업을 계속해야 하는 이유가 되었습니다. <금정굴 이야기>는 금정굴에서 벌어진 집단 학살이라는 구체적인 사건에 주목하고 친숙한 애니메이션이라는 장르로 시각화하여 제노사이드가 갖는 보편성을 찾고 새로운 삶의 가능성에 질문을 던집니다.

이번 전시는 기록이나 고발의 성격을 넘어 사유를 확장하고, 진실을 대하는 예술적 재해석의 관점을 제안할 것입니다.

Q. 없는 나라 Non-existent Nation 전시 작품을 어떻게 구상하신 건가요?

A. 국가의 존립 기반과 목적은 폭력으로부터 국민의 안전을 지켜야 하는 의무가 있지만 한국전쟁 이전, 미군정 시기부터 반도 전국 곳곳에서 수십만 명에 이르는 민간인들을 집단학살하는 반인도적인 국가폭력을 자행했습니다. 전시를 통해 국가범죄에 대한 강요된 망각을 예술을 통해 성찰하고, 사회적 공동체 회복을 위한 기억의 재구성과 애도(哀悼)의 시각화를 시도하고자 합니다.

Q. 작가님께서 <금정굴 이야기>, <예산족 애니메이션 프로젝트> 두 가지 주제를 염두에 두신 이유가 있을까요?

A. 제가 고양시에 살던 시절에 고양 지역 시민 사회 단체들은 연대하여 해마다 금정굴 사건 희생자 합동 위령제를 개최했습니다. 2006년부터 합동 위령제 주최 단체와 협업하여 사진과 영상으로 위령제와 유족들을 기록하였고, 그 자료를 토대로 디지털 페인팅 작업을 진행해 온라인 매체에 발표하였습니다. 1950년 금정굴은 한 달 동안 벌어진 집단 학살지로서, 1948년 국제연합(UN)에서 채택한 <집단 학살의 방지와 처벌에 관한 협약(CPPCG)>에 따르면, 제노사이드(Genocide)에 해당하는 반-인도적 국제 범죄입니다. 오랫동안 제노사이드, 국가 폭력, 트라우마 후유장애 문제 등에 예술적 관점의 관심을 가져왔기 때문에 자연스럽게 다큐멘터리 애니메이션 <금정굴 이야기>를 제작하게 되었습니다. 유족 인터뷰 장면 이외에도 여러 가지 스타일의 실험 애니메이션 시퀀스를 사용했고, 이러한 운동 이미지는 사건에 집중할 수 있는 관점을 형성하는데 도움이 된다고 생각합니다.

<금정굴 이야기 작업 사진>

<예산족 애니메이션 프로젝트>는 2009년 제천국제음악영화제 사전 제작 지원작으로 선정되어 만들게 되었습니다. 새로운 ‘음악 영화’ 혹은 ‘음악 애니메이션’ 작품을 구상하던 중, 2008년 한국 대중 음악상 ‘올해의 연주상’을 수상한 앨범 <예산족(藝山族)>을 알게 되었습니다. <예산족>은 사물놀이의 창시자이자, 비나리(고사(告祀)를 지내며 부르는 구음)의 명인 이광수와 프리 재즈 듀오 미연&박재천 그리고 민족음악원 사물놀이가 결합한 혁신적인 크로스 오버 프로젝트로서, 타악기와 피아노, 그리고 구음(口音)이 절묘하게 결합된 풍부한 사운드를 갖고 있으며, 그 선율과 화음이 한국전쟁 전후 발생한 제노사이드 사건의 기억과 상처를 실험 애니메이션으로 표현하는데 아주 적합한 음악이라고 생각되어 선택하였습니다.

<예산족 애니메이션 작업 사진>

 Q. 작품을 통해 관람객들에게 전달하고 싶은 메시지를 어떤 방법을 사용하면서 효과를 불러온다고 생각하나요?

A. 저는 서사적 구조의 애니메이션보다는 시적(的) 구성의 영상과 애니메이션을 선호합니다. 하나의 장면에 여러 층의 레이어로 이미지를 중첩하여 사용하면서, 전달하고자 하는 주제를 ‘감춰 넣기’ 방식으로 연출하는 것을 좋아합니다. 영화는 막혀있는 것이 아니라 마치 창을 통해 창 너머의 넓은 세계를 경험하게 하는 장르라고 생각합니다. 이것은 물리적 위치가 아니라 눈이 뇌를 통해 시선으로 옮기면서 중첩할 수 있는 것이 있다고 생각해요. 영화적인 이미지 구성에서 여러 층의 레이어가 겹겹이 쌓인 비주얼로 운동성과 시간성을 갖고, 색감이나 채도의 시각적인 요소를 획득하면서, 시공간적으로 혹은 입체적으로 예술적 경험을 할 수 있다고 생각합니다. 그래서 영화를 보고 나서도 또 다른 시작이 되어 무의식에 운동 이미지의 잔상이 남아 기억될 수 있도록 애니메이션을 만드는 편입니다. 이때 음악과 음향, 채도와 명도, 대비(對比) 등은 아주 중요한 역할을 하게 되는데, 이러한 방법은 제노사이드라는 주제를 표현하는데 영화적으로 효과적이라고 생각합니다.

<감춰넣기 효과가 들어간 작품 스틸샷>

대안공간 아트포럼리 큐레이터 최주현

전승일(B. 1965)

전승일은 공황장애(F41.0)와 PTSD(외상후스트레스장애, F43.1)를 갖고 있는 신경다양성 예술가로 자신을 소개하며, 현재 <오토마타 공작소> 대표 감독으로 독립 애니메이션, AI Image & Film, 오토마타, 키네틱 아트 창작 및 연구 저술 활동을 하고 있다.

<학력>

동국대학교 대학원 연극영화학 석사

서울대학교 서양화 학사

<이력>

동국대학교 영상대학원 교수 역임

계원예술대학교 공간연출과 겸임교수 역임

부산예술대학교 만화예술과 교수 역임

조선대학교 만화애니메이션학부 초빙교수 역임

전주국제영화제 애니메이션 비엔날레 프로그래머 역임

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대안공간 아트포럼리는 올해로 4년 차 ‘객체 지향(Object-oriented)’이라는 키워드로, 개인 스스로와 인간, 인간과 지구에 함께 존재하는 생태계, 기후, 질병, 경제 등, 인간과 지구를 둘러싼 다양한 객체와 이것들 사이에서 일어나는 트러블(문제 trouble)을 여러 관점에서 파악해보고 이를 예술로 시각화하고자 하였다. 그리고 그 과정에서 도출된 수많은 트러블을 향해 과연 “트러블이 깔끔하게 해결될 수 있을까?”와 같은 일련의 물음에 “그렇지 않다”라는 답을 내렸다.

다만 ‘트러블’ 사이에 위치한 각각의 객체들이 자신과 서로가 어떻게 구성되어 있는지 살펴보는 일은, 인간의 내면, 사물, 자연, 인종, 젠더, 질병 등, 트러블이라고 일컬어지는 모든 것에 일방적인 것이 없고 모종의 관계가 자리하고 있음을 확인시켜주었다. 예를 들어, 인간이 지구에서 화석연료를 태워 지구에 미친 기후격변은 수 십 년 전부터 지속되었고, 이로 인해 아마존 숲에 사는 인간과 비인간들은 서식지를 빼앗긴지 오래였다. 그런데 이 기후격변의 트러블은 샌프란시스코와 오클랜드 등 선진국의 도시가 생존의 위협을 받기 시작된 상황이 촉발된 후에야 비로소 그 문제의 심각성이 드러났다.

이와 같은 과정으로 트러블이 인식된 상황은 지구에서 일어나는 트러블과 이에 대한 책임이 인간과 비인간, 주체와 객체라는 이분법적 구도로는 모두 설명될 수 없음을 알려준다. 말하자면, 특정 존재와 관계 속에서 파생된 트러블은 수학처럼 문제와 명확한 답이 주어지지 않는 것이다. 따라서 눈치 챘겠지만, 이번 《트러블 Trouble》 전시를 통해 갱신하고자 하는 객체 지향의 개념에는 문자 그대로 주체를 버리고 객체만을 지향한다는 의미만이 담겨 있는 것이 아니다. 객체로 간주될 수 있는 전시를 구성하고 있는 작품에는 우리와 이 시대와 관계를 맺고 있는 다양한 존재들이 등장한다. 이러한 존재들은 작가들이 관계성의 맥락에서 다양한 객체와 트러블을 사유하고, 관념화하고, 형상화 한 흔적들로 볼 수 있다. 

그러므로 관계성 위에서 작품에 대한 사유를 시도해보길 바란다. 전시장의 작품에 등장하는 존재들을 객체화하고 주체화하고 재호명하며 관계 맺기를 반복해보자. 그 말인즉슨, 작품을 통해 트러블을 발생시킨 혹은 트러블을 둘러싼 관계 속에 위치한 자신의 사고, 경험, 감각 등에 대한 검열을 시도하자는 것이다. 이와 같은 사유의 반복은 우리와 관계를 맺고 있는 객체간의 경계를 허물고 다시 관계를 체득하는 걸음으로 이끌고, 나아가 관계에서 발생된 트러블에 대해 존중과 책임으로 응답하게 도와줄 것이다. 

<작업 노트>

-김준서, <작은 변화들에 대한 기록>, 2019, 키네틱 사운드-마이크데이터-sound visual 프로젝션, 1100x1100x1800cm

우리는 비슷한 방식으로 살아가는듯 하지만 삶의 궤적은 서로 다르다. 서로가 부딪히고 튕겨나가며 작은 변화들을 끊임없이 만들어낸다. 사소하지만 우발적인 작은 변화들을 관찰하고자 작은 세계를 만들었다. 이 세계는 작은 구슬들이 한쪽에서 다른 쪽으로 굴러 내려가기를 반복한다. 모터가 만들어내는 각도, 무게중심, 모터의 상태와 같은 여러 조건들에 의해 작은 객체들이 계속해서 새로운 궤적을 만들어간다. 움직임의 흔적은 궤적을 남기고, 궤적은 다시 소리가 되어 공간을 채운다. 공간 안에 머물렀던 진동은 다시 이미지로 환원되어 데이터로 기록된다.

-김태덕, <프로젝트 조르주 Project Goerges>, 2021, 나무판, UV반응성 물감, UV조명 150x170cm 

벽에 낙서를 하면 좋겠다는 생각을 했다. 기왕이면 바타이유가 얘기하던 위반과 금기도 한 번 건드려보기로 했다. 그래서 왠지 손대면 안되고, 항상 깨끗하게 보존해야 한다고 생각하는 그 전시장의 벽에 낙서를 해보자고 생각했다. 말 그대로 현대판의 “라스코 동굴”을 만드는 것이다. 작가가 벽에 손을 대면 그 벽은 다시 일반인은 건드리면 안 되는 금기가 되어버린다. 그러니 이 금기도 위반해 보는 것이다. 관객들이 자유롭게 마음껏 낙서를 하게 전시장의 벽이라는 그 개념을 허무는 것이다. 관객이, 어설픈 참여형 전시의 대상이 되도록 하는 것이 아니라, 관객 그 자체가 창작자가 되고, 관객의 낙서가 작품이 되어 말 그대로 주체와 객체의 경계가 없는 그런 전시를 만들어보고 싶었다.

-유비호, <예행연습 Rehearsal>, 2010, 개입형 퍼포먼스, 영상 프로젝트, 00:06:00 

Rehearsal(예행연습)은 전기에너지를 얻기 위한 에너지원의 이용 방식 중 탄소와 원자력에 대한 의존도를 가장 높은 비중을 두고 정책을 시행하는 한국전력공사(KEPCO. Korea Electronic Power Corporation)의 에너지 정책과 서비스에 대한 불만을 심리적으로 표출한 작업이다. 이 작업은 2010년대 초 수행하였던 ‘극사적 실천(極私的 實踐, Extreme Private Practice) 시리즈’의 번외편으로, 퍼포먼스는 어느 무심한 날 밤 자정쯤, 한국전력공사 본사 정문에서 감행한 작가본인의 불편한 심리와 심정의 개입행위이었다. 본인은 이 사건에서 실타레를 장착한 무선자동차를 무선조정기로 조정하여, 한전본사 정문에 임시적으로 가늘고 느슨한 장애물을 만들었다. 

-이능재, <not-띵>, 2021, 혼합매체, 가변크기 

자이나교에서는 인간의 존재를 중심에 두지 않고 작은 미물조차 존중하는 생각을 갖는다. 본인이 생각 할 때 자이나교는 ‘공존’에 중점을 두고 싶지만, 깊은 차원에서는 인간이라는 존재는 인간 이외의 모든 생물의 자양분이라고 까지 생각이 들 정도이다. [···] 낫을 꺼내 산소의 모습이 잘 드러나게 벌초를 하며 문득 여러 벌레들이 거미줄 같은 집을 짓고, 작은 벌집도 있고, 작지만 이 나무 저 나무에 오르내리며 열매 혹은 필요한 것들을 채집하며 작은 생태계를 형성 하였는데 내가 느닷없이 그 작은 세계 공간을 파괴하는 것을 주저 하지 않았구나 라는 생각을 했다. 해결을 위해 인간의 욕심을 버려야 하고 공존을 생각해야 하지 않을까. [···] 이러한 상황 속에서 낫에게 생명을 부여하는 상상을 해보았다. 그리고 오히려 반려종으로서 낫을 떠올려보았다. 이번 프로젝트에서 낫과 자연 모든 존재와의 공존을 짚어본 후, 이후 이어지는 프로젝트에서는 실질적으로 동물의 움직임에 필요한 관절과 근육을 낫에게 물리적으로 적용하여 형상화 해볼 예정이다.

-이송, <burning pixel>, 2021, mixed media, 560x260x290cm 

      <three horizon>, 2021,  단채널 영상, 사운드, 00:59:00  

몇 년간 멈춰버린 생각, 좋지 않은 감정들은 쌓여만 가고 이것들은 오랫동안 퇴적되어 나의 마음속에서 굳은 돌처럼 답답하게만 느껴졌다. 그리고 이제는 재난이라고 하기에는 익숙해져 버린 현재의 상황은 몸과 마음을 더욱 지치게 만들지 않았을까. 이 돌을 무르게 할 방법을 찾고 싶었다. 그리고 마음의 여행, 내 영혼의 정화를 위해 몸을 이동했다. [···] <세 개의 수평선 three horizon>은 세 개의 수평선, 그리고 뒤집힌 하늘 과 바다의 영상은 반복되는 파도소리, 사운드를 결합한 영상 회화 작업이다. 본연의 수평선은 지우고 세 개의 수평선을 다시 그려 넣었다. 하늘과 바다의 경계는 다른 느낌으로 만들고 화면 반전을 이용해 익숙한 듯 익숙하지 않은 풍경을 만들고 싶었다. 최근 우리의 현재는 전혀 평범하지 않는 삶의 연속이었다. 하지만 우리는 이 어색함이 익숙해지고 이를 삶의 일부분으로 받아들이고 있다. 오히려 과거의 우리 삶은 익숙하지 않은 풍경이 될지도 모른다. 나는 두 작품을 통해 과거에 대한 불편함과 익숙하지 않은 풍경, 그리고 미래를 향한 창을 보여주고 싶었다.

-이원호, <ARTNOW>, 2006, 사진인화, 90x79cm

<ARTNOW>는 학창시절이나 군복무시절을 경험한 개인의 사적인 기억에서 출발하였다. 두 손을 등 뒤 허리춤에 가지런히 올리는 얼차려 자세로 이마와 발끝만으로 온 몸의 체중과 중력의 부담을 지탱해야 했던 체벌을 모티브로 한다. 어떠한 반론의 여지도 없이 행해진 이런 행위의 목적을 전혀 납득하지 못했음에도 불구하고 무조건 가해자를 충족시켜야만 하는, 그렇지 않으면 더 지독한 경험을 하게 될지도 모른다는 막연한 두려움에 떨면서 초인적인 집중력을 발휘하기도 하였다. 이제는 과거 특정한 시간의 경험이 되어버린 이러한 행위가 애석하게도 지금 나를 비롯한 예술가들에게 있어서 스스로 정기적으로 행해야 할 명상 행위, 혹은 가학 행위일지도 모르겠다. 본래 물질적 보상 대신에 예술가에게 주어진 유일한 대가는 상상의 자유를 누리는 기쁨이 아닌가? 하지만 예술가들 역시 그런 자유를 누리기 위해 끊임없이 상상을 하고, 무엇인가를 창출해 내어야만 하는 상황에 놓이게 되는 것은 물론이고 그 자유를 담보로 불편한 경쟁의 세계로 떠밀려 가게 되는 것이 현실이다. 이렇듯 현실은 유일한 보상의 대가를 유쾌하지 않은 경쟁구도로 만듦으로써 이제는 타인에 의해서가 아닌 스스로 그러한 현실 앞에 머리를 아래로 쳐 박는 자조적 행위를 해야 하게끔 은근슬쩍 강요한다. 이 작품은 그런 과거의 불편한 기억들과 현재 작가로서의 모습을 결합시켜본 작업이다,

 –이윤석, <speculation object>, 2021, 컴퓨터,매매용 컴퓨터, 실시간 데이터, 가변크기, 60 x230cmx90cm  

모니터 앞에 앉아 수많은 시세와 정보들을 마주할 때면 나는 단순한 거래-공간으로서의 금융시장이 아니라, 무언가 보이지 않고 이해불가능한 거대한 존재와 대면하고 있는 듯한 느낌을 받을 때가 많다. 실제로 금융시장은 현실에 대한 이미지로서 작동하는 동시에, 의지를 가진 듯 현실 깊숙한 곳까지 스며들어 큰 힘을 행사한다. 나는 이러한 금융시장과 우리의 관계를 감각과 감성의 영역으로 전환해 보려 한다. 정말로 금융시장은 화폐의 효율적 거래를 위해 개발된 세련된 시스템에 다름 아닌 것일까? 어쩌면 금융시장은 수많은 개별 주체들이 모여 창발시킨, 전체보다 강력한 하나의 사물은 아닐까? 그리고 그것은 확장을 위한 자양분을 얻기 위해 우리를 현혹하고 있는 것은 아닐까? 금융시장에 종속된 현실은 점차 불확실한 추측(speculation)의 영역이 되어가고, 따라서 우리는 그러한 현실에서 한 발 떨어져 사변(speculation)적으로 접근하게 되고, 결국 현실-이미지는 반복 재생산되며 투기적-이미지가 현실을 뒤바꾸는, 동시대는 투기(speculation)의 시대이다.

-이지민, <feederduck>, 2021, 실리콘, 표본병, 가변설치

마트에서 계절감 없는 차림의 털보 백인 아저씨가 피도라지, 피토란, 피더덕 앞에서 한참을 서성이다가 구글 번역기를 켰다.  A hairy white guy in sleeveless stood in front of “oriental roots” for a long time and finally turned on Google Translate.

-조은용, 폴 시리즈 <토착화된 유해 외래종>, 2021, 굴포천에서 서해까지의 수집된 쓰레기, 42x42x59cm

인간중심적 공생발생으로 인한 트러블과 함께 하기. 이 주제로 실질적인 환경 트러블을 겪고 있는 근처 지역의 하천부터 바다까지를 거닐었다. 이곳에서 발견된 물건, 동식물, 쓰레기 등. 이러한 대상의 집합체는 인간과 자연의 공생 속에서 보이거나, 보이지 않는 연결망으로 존재한다. 이처럼 <토착화된 유해 외래종>은 연결망 위에서 환경의 사건들을 다룬 트러블에 관한 작은 프로젝트 이다.

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■ 전시 제목 : Alterspace:Project georges

■ 참여 작가 : 김태덕

과거부터 시각 이미지는 지하 무덤, 교회의 제단, 사회 최상류층만 출입이 가능했던 수집품실, 미술품 자유 시장, 공공 미술관 등 다양한 공간을 경유하며 제작되고 소개되어왔는데요. 동시대에는 흰 벽을 사용한 화이트큐브 공간의 전시장이나, 이와 대조적으로 경직된 화이트큐브에서 벗어나고자 하는 움직임과 함께 예상치 못한 공간에서 작품들이 전시되곤 하지요. 또한 시각 예술은 전시되는 장소적 특성에 따라 그 의미가 다양하게 읽혀지는데요. 이번 전시는 작품의 주제와 전시 공간의 의미는 뒤로하고, 창작자와 감상자가 느낄 수 있는 예술 체험의 공통적 특성은 무엇인가에 대한 물음에 초점을 두고 출발했답니다.

이와 같은 질문에 대해 《Alterspace: project georges》 전시를 준비한 김태덕 작가는 예술에서의 공통적인 고유한 경험은 유희라고 꼽았습니다. 이 예술적 즐거움은 미술 관련 전공자가 아니었던 작가가 이 길을 선택한 결정적 이유이기도한데요. 작가는 조르주 바타이유(Georges Bataille, 1897-1962)가 『라스코 혹은 예술의 탄생』 에서, 라스코 동굴에 재현된 시각 이미지에 대해 “예술의 본질은 유희의 한 형태이다.” 라고 제시한 대목에 공감하며, 동굴의 이미지에서 드러난 원시적 유희를 이번 전시를 통해 본인 스스로와 관람객 모두가 경험하길 바란다고 언급했답니다.

큐레이터: 어떻게 놀면 되나요?

작가: 큰 벽에 낙서를 하면 좋겠다는 생각을 했어요. 기왕이면 바타이유가 얘기하던 위반과 금기도 한 번 건드려봐요. 그래서 왠지 손대면 안되고, 항상 깨끗하게 보존해야 한다고 생각하는 그 전시장의 벽에 낙서를 해보는 거죠. 말 그대로 현대판의 “라스코 동굴“을 만들어봐요. 작가가 벽에 손을 대면 그 벽은 다시 일반인은 건드리면 안 되는 금기가 되어버리잖아요. 그러니 이 금기도 위반해 보는 거죠. 관객들이 자유롭게 마음껏 낙서를 하게 전시장의 벽이라는 그 개념을 허무는 거에요. 관객이, 어설픈 참여형 전시의 대상이 되도록 하는 것이 아니라, 관객 그 자체가 창작자가 되고, 관객의 낙서가 작품이 되어 말 그대로 주체와 객체의 경계가 없는 그런 전시를 만들어봐요.

 전시 관련 문서도 관제 형식의 기존의 글쓰기 방식을 탈피해보면 좋겠어요. 우리의 일상에 너무도 깊숙이 뿌리박혀 있는 ‘이건 이래야 해‘라는 관념으로부터 탈피하는 새로운 시도를 이번 전시에서 바닥부터 엎어봤으면 해요. 마찬가지로 전시 홍보물의 이미지는 제가 손글씨로 만들면 좋겠어요. 컴퓨터의 딱딱하고 메마른 글씨, 규격에 맞춰 칼로 자른 듯한 직선이 아니라 자유로운 흔들림과 움직임으로 가득한 곡선의 이미지를 만들면 좋겠어요.

작가의 인터뷰에서 눈치챌 수 있듯이, 이번 전시의 작품, 전시 형태, 전시 서문, 디자인 등은 기존의 관습적인 형태와 관념에서 벗어나 예술가, 작품, 전시 공간, 기획자, 관람자 모두가 예술에 내재된 즐거움을 찾아보려는 시도로 볼 수 있어요. 이번 전시의 놀이에서 지켜야 하는 규칙은 바로 규칙 일탈이에요. 작가에게 영감을 준 조르주의 개념으로 달리 말하면 금기를 위반하는 것이지요.

따라서 이번 전시는 일반적으로 작가가 미리 창작한 작품을 벽면에 설치한 형태가 아니랍니다. 그저 노는 것에 주안점을 두었어요. 전시장의 벽은 원래 전시가 끝나면 다시 칠해지고 새로운 벽으로 바뀌어요. 이는 애초에 전시장이 영구성도 보존성도 없다는 것을 뜻하지요. 이런 맥락에서 저희는 관람자들이 기존에 접근이 불가했던 벽을 창작의 영역으로 자유롭게 활용할 수 있도록 준비했어요. 그리고 유일한 창작의 주인공인 작가의 역할을 관람객과 함께 공유하려고 해요. 관람객이 전시장에 들어서면 관람자는 작가가 비치해 놓은 다양한 미술 재료로 천장부터 바닥까지 모든 공간에 자유롭게 낙서 내지는 그림을 그릴 수 있어요.

이러한 예술적 놀이가 철없는 소리로 들릴 수도 있어요. 예술은 생존에 필요한 여러 행위와 비교해 볼 때 유용성의 가치와는 반대되는 활동 중 하나로 인식되기도 하니까요. 하지만 영구성과 보존성에 집착하지 않고 행위와 사라짐이 반복되는 자율적 놀이를 통해 체득하는 원초적인 재미는, 인간을 가장 자유롭고 충일한 위치로 돌입하게 만들어요. 유희는 곧 인간에게 충만한 에너지, 우연과 본능에 의한 질서를 보여줌으로써, 우리가 현존하는 느낌을 불러일으키기도 한답니다. 무지개를 보면 자연스럽게 사진을 찍고, 눈밭을 보면 발자국을 남기고 싶듯, 이번 《Alterspace: project georges》 전시를 예술의 자율적 행위의 장으로서 마주해보세요.

김태덕(B. 1973)

2003 경희대학교 평화복지대학원 졸업

1999 경희대학교 졸업

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2021년 2월 1일 미얀마의 민 아웅 흘라잉 총사령관이 ‘부정선거 무효화, 총선 재실시’를 명분으로 국가비상사태를 선언했다. 미얀마의 역대 세 번째 군부 쿠데타가 시작된 것이다. 이에 맞서 미얀마 시민들은 자발적으로 무장하며, 5개월째 민주화 쟁취를 위해 시민 불복종 운동 (Civil Disobedience Movement)을 이어나가고 있다. 온라인을 통해 접하는 미얀마의 현장은 피로 물들어있고, 시민들의 인권은 처절히 짓밟혀 있었다. 

 군경의 반인륜적인 폭력으로 인해 시위 현장에는 사상자가 속출했고, 그 참상은 씻을 수 없는 상흔으로 남고 있다. 군부은 가히 ‘악마’와 같은 행태를 부리며, 인간과 역사에 대한 반인도적 범죄를 서슴없이 자행한다. 그들은 시신을 훼손할 뿐더러 고문당한 이들의 사진을 공개해 공포와 위압감을 조장하길 꾀한다. 이들의 악랄함은 미얀마 시민들의 육체뿐만 아니라 정신을 지배하고 짓누르려 하는 획책에 있다. 

 시민들의 연이은 죽음은 미얀마 시민들에게 육체적으로나 정신적으로 깊은 상처를 안겼다. 미얀마 시민들이 느낀 극심한 분노와 심정적 동조는 무엇이라도 해야 하는 폭발적인 에너지를 갖고 있다가도, 차단된 돌파구 앞에서는 무기력한 모습과 그 자극을 망각하는 선택으로 흘러간다. 그렇게 민주주의를 향한 미얀마 시민들의 갈망과 함성은 군부의 총성 속에서 무참히 산화하는 듯했다. 하지만 미얀마의 시민들은 먼저 떠난 이의 염원을 이어받으며, 개인의 안전과 생명 대신 민주주의의 깃발을 들고 계속해서 봄의 혁명을 외치고 있다. 

 시위에 참여하는 시민들에게는 또 다른 저항의 무기가 있다. 바로 예술이다. 6월 중순 미얀마 갤러리에서 아주 구체적인 도움을 요청하는 소식이 들려왔다. 미얀마 현지 갤러리 소속 작가들이 미얀마의 현 상황을 담은 작품들의 이미지를 보낼 테니, 투쟁기금 마련에 활용해 줄 수 있겠냐는 내용이었다. 미얀마의 예술가들이 이번 전시에 출품한 작품에는, 민주화 운동의 최전선에 서있는 시민들이 물리적으로나 내면적으로 겪고 있는 격렬한 고통을 정면으로 직면하고, 대결한 흔적이 고스란히 담겨있다. 

 미얀마의 현재는 한국 현대사의 1980년 5월 광주민주화운동과 1987년 6월 항쟁의 기억을 소환시킨다. 한국의 현대사에도 이념의 대립, 학대와 

학살의 상처가 도저하게 잔존해있다. 쿠데타라는 독재의 공포와 상처가 미얀마에서 다시 화산처럼 터져버렸지만, 민주주의를 향한 미얀마 시민들의 움직임은 우리의 역사처럼 새로운 역사의 토대가 될 것이다. 

 이번 <무명 연대-분출하는 상처> 전은 시공을 넘어 민주주의를 향한 자유와 인권을 부르짖는 미얀마 시민들의 외침을 예술적 연대로 응답하고자한다. 도움을 원하는 ‘드러나지 않는 주체(이름 없는 작가)’의 작품을 ‘드러내지 않는 주체(후원자)’들의 작품 구매와 후원의 연대를 통해, 미얀마 시민의 피를 멈추게 하고 민주주의가 승리하도록 기여하고자 기획되었다. 이번 전시는 미얀마의 시민들과 연결된 ‘예술연대행동’이자, ‘국제시민연대’로서, 민주화를 염원하는 주체들이 서로 드러내지 않고 도움의 행위를 지속할 수 있는 자리이다. 미얀마에서 보내온 SOS에 한국과 아시아, 그리고 전 세계가 함께 생명이 움트는 봄날을 기약하면서, 그곳까지 우리의 지지와 위로가 무사히 닿기를 바란다. 

 본 전시의 후원금은 대안공간 아트포럼리 계좌를 통해 모금하고, 계좌로 모금된 후원금은  아시아인권문화연대를 통해 미얀마로 전달될 예정이다.

Wounds Erupt

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평평-팽팽 : 경계를 넘어

아트포럼리, 2021.8.6-8.26

강현선, 김지민, 김라연, 박용식, 신정균, 정용국,
정이지, 개리정, 정재호, 정지현, 조혜연, 송수영, 이민재

기획 : 상업화랑

《평평-팽팽 : 경계를 넘어》는 시각언어를 기반으로 사회・문화적 이슈를 다뤄온 13인의 작가를 통해 동시대의 지평을 가늠해보고자 한다. 이는 동시대성을 하나의 이름 아래 호명하기 보다, 숱한 개념으로 분절된 오늘날의 파편들이 공존하는 ‘상태’를 바라보기 위한 시도이다. 다양한 매체를 경유하여 동시대를 고찰해온 작가들은 이분과 구별에서 벗어나 재현과 (비)재현, 일상과 (비)일상의 경계를 오고 간다. 전시 제목 ‘평평-팽팽’은 그러한 상태를 묘사한 의태어로, 경계에 자리하는 것들이 점 찍어 이루는 선, 각각의 선들이 가로세로로 얽혀 이루는 긴장과 이완의 관계를 나타낸다. 관객은 전시장에 놓인 작품들을 각기 다른 방향과 길이로 이으며 저마다의 서사를 완성할 수 있을 것이다. 궁극적으로 본 전시는 오늘날을 정의하는 말들이 무한히 팽창하는 곳에서, 느슨하면서도 불가분하게 연결된 경계의 지점들을 짚어보는 기회를 마련해보고자 한다. 

1. 재현과 (비)재현

실재와 가상의 구분이 흐려지고 가상이 실재를 대체하기도 하는 오늘날, 미술에서 재현의 문제는 여전히 중요한 화두이다. 작가들은 각기 다른 지지체를 매개로 재현된 이미지를 통해 다른 것을 지시하거나, 비가시적인 대상을 특정한 형태로 환유하는 방식을 모색해왔다. 강현선, 송수영은 사진과 영상을 통해 현실의 상을 변주하고 그 결과물인 가상의 이미지를 중첩시킴으로써 재현과 (비)재현의 경계를 흐린다. 한편 정용국, 정지현, 김지민은 전통적 재료를 활용하여 재현 대상의 고유한 특성을 다르면서도 유사한 감각으로 환유한다. 다른 접점에서 이민재, 박용식은 주로 동물이 등장하는 회화, 조각, 설치미술을 통해 가시적인 기표 이면의 고유한 메시지를 전달한다.

2. 일상과 (비)일상

오늘날 사회・경제적 발전과 궤를 같이하며 다변화된 현대사회의 풍경은 더욱 불투명해졌다. 팽창하는 도시의 활기와 그만큼 견고해진 사각지대는 많은 동시대 작가들의 주제로 다뤄져 왔다. 본 전시에서 소외된 과거와 마주한 오늘, 아직 오지 않은 미래를 넘나드는 각 작품은 서로 다른 시공간을 포개며 낯익고도 생경한 풍경을 제시한다. 정이지, 개리정, 조혜연이 표현하는 일상 속 경쾌한 리듬은 가려진 기억과 도시의 역사, 현대사회의 재난을 탐구하는 김라연, 정재호, 신정균의 작업과 대비되며 우리의 오늘에 거리를 둔 성찰을 요청한다. 

글. 김소희

Pyeongpyeong-Pangpang: Above the Boundaries

ArtforumRhee, 2021.8.6.-8.26

Hyunsun Kang, Jeemin Kim, Rayeon Kim, Yongsik Park, Jungkyun Shin, Jaeho Jung, Ji Hyun,
Yi Ji Jeong, Gary Chung, Cheong, Heyon Cho, Sooyoung Song, Minjae Lee
Curated by Sahng-up Gallery

《Pyeongpyeong-Pangpang: Above the Boundaries》aims to reflect contemporary era through 13 artists who have dealt with social and cultural issues based on visual language. This is an attempt to look at contemporaneity as a ‘state’ in which fragments of the divided concepts coexist, rather than calling it under one name. Artists attempt to deviate from the distinction and dichotomy and go back and forth between representation and (non)representation, daily and (non)daily. The title of the exhibition, “Pyeongpyeong-Pangpang,” is a mimetic word that describes such a condition, and represents the relationship between tension and relaxation formed by the lines on the boundary. The audience will be able to complete their own narrative by connecting the works in different directions and lengths. Ultimately, this exhibition seeks to provide an opportunity to point out the points of boundaries that are loosely yet inextricably connected within the place where words defining today expand infinitely.

1. Representation and (non)representation

The issue of representation is still an important topic in art today when reality and virtual distinctions are blurred and one replaces the other. Artists have sought ways to direct different objects and situations through represented images using different media. Hyunsun Kang and Sooyoung Song blur the boundary between representation and (non)representation by changing the image of reality through photos and videos and superimposing the resulting virtual image. Meanwhile, Yongkook Jeong, Ji Hyun Cheong, and Jeemin Kim use traditional materials to turn the unique characteristics of reproduced objects into different but similar senses. On the other hand, Minjae Lee and Yongsik Park deliver unique messages behind visible signs through paintings, sculptures, and installation works featuring animals.

2. Daily and (non)daily

Today, with social and economic development, the landscape of modern society has become more ambivalent and opaque. The expanding city’s vitality and so solid blind spots have been covered by many contemporary artists. In this exhibition, each work presents a strange but familiar landscape by overlapping different times and spaces. The cheerful rhythm of daily lives represented by Yi Ji Jeong, Gary Chung and Heyon Cho contrasts with the works of Rayeon Kim, Jaeho Jung, and Jungkyun Shin, who explore the history and hidden memories of the city, disasters in modern society,  and thus asks for our reflection by keeping distance from today.

written by Sohee Kim

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2021. 07. 09. (금) – 08. 01 (일)

  대안공간 아트포럼리 (디렉터 이훈희)는 2021년 07월 09일부터 08월 01일까지 초등 고학년에서 성인까지 참여 가능한 예술 프로그램 <연필심지는 깊다>를 기획했다. 이 프로그램은 총 10회 과정으로 진행될 예정이다. 프로그램 초반부에는 연필의 역사와 물성을 탐구하고, 중반부와 후반부에서는 아시아인권문화연대 활동가의 ‘연필을 들다: 인권과 평화’ 강연을 듣고, 강연 내용을 연필과 예술의 기능적 측면과 연계하여 예술 작품을 창작하고자한다. 

연필을 사용한 필기 행위와 창작 행위는 사소해 보이지만 이것이 그려낸 세상은 매우 넓고 깊다. 디지털화된 현시대에 여러 디지털 필기도구가 연필을 대체하지만, 여전히 책상과 학교, 예술가들의 작업실에서는 연필을 통해 수많은 예술 작품들이 탄생한다. 이처럼 연필과 예술은 오랫동안 우리의 생각과 이야기를 물리적, 정서적으로 매개하며 일상에서 매우 큰 자리를 차지해왔다. 연필과 예술은 단순한 필기도구나 미학적 기능을 넘어, 물질문화로서 우리와 함께 오랫동안 공존해온 것이다.

 이번 <연필심지는 깊다> 프로그램은 참여자들이 잊고 지냈던 연필과 우리 주변에서 일어나는 다양한 상황과 대상을 관찰하고, 또 연필과 예술이 사회와 연대하는 방식을 사유하며 현시대의 시민성을 예술로 표현하는 형식의 전시를 기획하고자한다. 프로그램에 참여하는 시민 작가들은 예술 창작 과정부터 전시 기획까지 함께 참여하며, 그 과정에서 작가, 향유자, 기획자를 아우르는 예술 체험을 경험해보길 바란다. 

<연필심지는 깊다> 전시는 7월 30일(금) 오프닝을 시작으로 8월 1일(일)까지 진행되며, 오프닝 때는 시민 작가 및 방문자들을 대상으로 연필깎기 대회가 열릴 예정이다. 

⚫ 프로그램 일정

01회차: 07월 09일(금) 오리엔테이션

02회차: 07월 10일(토) 연필 박물관 탐방

03회차: 07월 12일(월) 연필을 들다: 인권과 평화

04회차: 07월 16일(금) 연필 젠탱글

05회차: 07월 19일(월) 연필 프로타주

06회차: 07월 23일(금) 한톤으로 그리기

07회차: 07월 26일(월) 나도 큐레이터 홍보물 만들기와 작품 설치

08회차: 07월 30일(금) 나도 큐레이터 전시 오프닝/ 연필깎기 대회

09회차: 07월 31일(토) 나도 큐레이터 전시 

10회차: 07월 31일(토) 나도 큐레이터 전시 / 작품 철수

⚫ 신청 방법 artforumrhee 인스타그램 DM 혹은 전화

⚫ 문의 032-666-5858 / artforumrhee@gmail.com

⚫ 대안공간 아트포럼리 부천시 조마루로 105번길 8-73

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<전시전경>

■ 전시 제목 : The Remains of Cyan

■ 참여 작가 : 이송

눈을 감고 기억하고 싶은 장면을 떠올린다고 해보자. 누구나 한 번 쯤은 생생하고 강렬했던 기억의 장면 속에 자신을 가져다 놓고 싶다고 생각한 적이 있을 것이다. 이러한 기억의 재현에는 상황, 장소, 물체, 그리고 저마다의 경험과, 기쁘거나 그리운 감정들이 서로 상호적으로 자리하고 있다. 그러나 이 기억의 문을 열고 닫는, 즉 기억의 처음과 마지막을 함께 하는 것을 꼽으라면 그것은 아마도 장소일 것이다. 이렇게 우리에게서 머물고 지나친 곳들은 단순히 물리적인 공간이 아니라 각각의 방식으로 우리와 관계를 맺고 있다. 바로 이러한 사실이 이번 《청록색 흔적》 전시 작품의 화두이다.

cyan, oil on canvas, 80.3× 260.6cm, 2019

 작품 화면에 주되게 표현된 청록색 계통과 어두운 색감은 작가가 외부의 대상을 사실주의적으로 묘사한 작품 형태와 별개로 매우 비현실적인 분위기를 자아낸다. 또한 작품의 등장요소들은 현실에 맞지 않는 시점과 비례로 재구성되어 작품의 묘한 분위기를 배가시킨다. 작가의 목포 여행과 세월호 선체가 모티브로 제작된 <cyan>에서, 수면에 잠겨 있는 상태로 재현된 세월호와 육지 위에 서 있는 인물들이 한 장면에 연출된 비현실적인 상황이 그 예다.

 외견상 실제처럼 보이지만 작가의 의도에 따라 특정 요소가 취사선택되어 작품이 제작되는 방식은 18세기 이전 역사화에 묘사된 야외 배경과 정물 요소, 그리고 동서양에서 풍경화를 제작하던 방식과 동일하다. 그러나 이송 작가의 작품은 과거의 화가들이 작품을 통해 하나의 완결된 주제를 전하려 했던 목적과는 다르다. 작가가 캔버스에 새롭게 옮긴 특정 사건과 인물, 일상과 풍경 장면들은 과거를 기록하고 장소를 기념하는 차원의 의미가 아니다. 이러한 연출에는 시간과 세월의 흔적으로서 사물을 바라보는 예술적 시선이 깔려있다. 말하자면, 공감각적 심상이 작품의 전면적인 주제로 드러나는 것이다.

substitute pain, oil on canvas, 112.1 × 162.1cm, 2021

sequence 3, oil on canvas, 162.2× 390.9cm, 2021

 따라서 이송 작가의 작품에는 주인공이 부재한 장소와 물건이라던가, 현실의 장소가 기억의 장소로 재구성되었다거나, 반대로 기억에선 희미해졌지만 관련된 물체에 그 흔적이 선명하게 남았다던가 하는, 가시적이면서도 비가시적인 영역이 한데 포착되어있다. 이러한 특징은 그의 작품이 작품 안팎으로 존재하는 감상자의 정신을 투영하는 대상으로 확장될 수 있음을 시사한다. 다시 말해, 작품을 마주한 감상자를 과거와 현실, 현실과 또 다른 현실, 내면과 외면의 세계와 감각으로 무한히 이행시키는 존재로서 해석될 수 있는 것이다.

 그 직접적인 역할은 작품에서 주로 측면이나 뒷모습으로 그려진 등장인물에서 더욱 분명히 나타난다. 회화의 역사에서 야외에 등장하는 인물들은 평면 작품에 3차원적 공간감을 더해주고, 보는 이로 하여금 화면에 배치된 등장 요소들을 관찰하도록 인도하였다. 그리고 19세기에 이르러 등 돌린 인물은 작품의 공간과 감상자 사이의 의미를 파생시키며, 감상자가 작품과 교감하여 내적 체험을 할 수 있도록 이끄는 역할을 수행하기 시작 하였다.

alone, oil on canvas, 97× 130.3cm, 2020

bunred, oil on canvas, 97× 130.3cm, 2020

 이송 작가의 작품 속 등장인물은 관람자의 시선을 끌어당기고, 동시에 어떤 목표 지점을 향해 뚜렷하게 움직이고 있지 않아 타자의 시선을 차단하여 거리감을 유지한다. 이러한 이중적인 구조는 감상자가 작품에 이입해 일차적으로 창작자의 경험을 대리 체험하게 돕는다. 그리고 더 나아가 자신을 둘러싼 여러 영역의 의미를 고찰하여 결국에는 개인적인 예술미를 획득하도록 만들 것이다.

 이처럼 이송 작가의 작품들은 창작자와 감상자의 기억과 감각으로 채워진 대상으로서 고차원적인 개념을 지닌다. 이 맥락에서 이번 《청록색 흔적》의 작품들을 아트포럼리의 객체지향 프로젝트에 입각하여 이해해 볼 수 있을 것이다. 시공간과 결부된 작품들은 특정 주체(사람)를 통해 일반적으로 규정되는 객체(장소, 그림)로 존재하지 않고, 주체이자 객체이고, 물질이면서 비물질이고, 유한하지만 무한한 장으로서, 지금 여기서 우리를 둘러싸고 있는 현실의 또 다른 대상으로 거듭난 것이다.

<전시전경>

코로나 19로 이동이 제한된 일상을 보내는 우리에게 이번 전시는 마음 한 켠에 저장된 장소를 떠올리고, 현재 우리가 무심코 지나치고 있는 곳과, 앞으로 새로운 기억으로 다가올 장소를 자유롭게 상상하고 그려보는 시간을 가져다 줄 것이다.

대안공간아트포럼리 큐레이터 임소희

*3D_공간전경
https://my.matterport.com/show/?m=SABceJ3i46f

이송(B. 1983)

2015 중앙대학교 일반대학원 서양화 전공 졸업

2010 중앙대학교 서양화과 졸업

<개인전>

2017 ALIVE, 갤러리 그리다, 서울

2013 Anonymous city, 갤러리 그리다, 서울

2012 Mind Games, 맨 메이드 우영미, 서울

2010 In Between, 사이아트갤러리, 서울

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슬픔을 자르는 기억의 날

2021.04.15 (Thu) – 06. 16 (Wed)

●참여작가명단

감경자, 고리울 청소년 방과후 아카데미 꾸마마을 26명 친구들, 고천성, 곽수민, 권대명,금광섭,김경자,김나율,김민욱,김민정,김봉경,김우현,김지현,김천화,김현주,김호준,노우현,도은아,박초하,손동수,송혜숙,안미현,양지연,오명희,오지은,원건형,이경화,이미숙,이주연,이정현,이정희,조수화,조아영,주양선,최기주,최도담,최혜연,최혜주,통합예술나눔터,한규림,한명희,홍진아,황지연

세월호참사 이후 7번째 봄이다. 지난 시간은 멀어졌고 세월에 대한 기억은 희미해졌다. 그러나 목포 항구에는 2014년 4월 16일 진도에서 침몰한 세월호 선체가 그 시간을 봉인한 채 인양돼 있다. 세월호참사는 자연재해를 압도하는 인간의 부조리함을 고스란히 드러냈다. 사건 당시 정부의 불안하고 미흡한 대응 과정은 사태의 비극을 초래했고, 우리 국가 시스템과 사회의 재난 취약성에 대한 근본적인 성찰을 일으켰다. 이로써 드러난 깊은 폐부는 지워지지 않을 상처와 충격이었다.

  대안공간 아트포럼리에서는 다가오는 4월 15일부터 6월 16일까지 세월호 참사 7주기 추모전 《슬픔을 자르는 기억의 날》을 기획했다. 이 전시는 바다에서 돌아오지 못한 희생자들을 기억하고, 세월호참사에 대해 진실을 촉구하는 시민예술행동의 기록이다. 세월호참사가 일어나고 1년이 되던 해 많은 시민들은 분노와 슬픔을 느꼈고, 이를 잊지 않기 위해 노랑나비를 접었다. 그러나 2022년 6월10일이 되면 세월호의 진실을 밝힐 수 있는 공소시효마저 끝이 난다. 이에 아트포럼리는 6년 전보다 조금은 더 절박해진 마음으로 이번 전시를 다시 준비하게 되었다. 세월호참사가 사회적 참사인 만큼 이 전시는 시민들이 함께 참여하는 예술행동 형태로 진행된다. 시민들이 직접 나비를 접는 예술 창작은 세월호에 관한 기억을 소환하고, 또 살아 있는 사람과 희생자들을 공통의 자리로 초대하여 현재와 과거의 우리가 서로를 위로할 수 있도록 기여한다. 이는 생명과 안전이 존중되는 사회를 함께 약속하는 마음이 예술로서 표현되는 자리다. 참여한 관람자들이 직접 접은 나비는 대안공간아트포럼리 전시장 벽에 설치되고, 관람자들은 예술 작품을 만든 공동 참여 작가 명단으로 기록될 예정이다.

《슬픔을 자르는 기억의 날》 포스터에는 더 이상 생명을 잉태할 수 없어 보이는 마르고 갈라진 땅 위로 바람을 일으키며 한 마리의 노랑나비가 날아가고 있다. 이는 마치 결코 봉인되어선 안 되는 세월호참사의 진실과 응어리를 날카로운 날로 깨뜨리고, 새로운 희망을 향한 저항의 날개짓처럼 보인다. 세월호참사와 같은 사회적 참사는 지금도 우리 곁에서 끊임없이 우리를 국가적 부조리로부터 숨통을 조이며 어떻게 할 수 없는 무기력한 상태로까지 이르게 한다. 그렇다면 우리는 기억하고, 기억의 책임을 지고, 날카로운 희망의 날로 단단하게 굳어 풀어질 줄 모르는 마음의 두께를 도려내어 새살이 돋아날 수 있게 해야 할 것이다. 기억하겠다는 끓어오르던 맹세가 식고 나서 폐기되는 껍데기가 아니라, 칼날처럼 정수리를 후벼 파 끈질기게 기억하고 행동해야 비로소 세월호참사 7주기 이후가 달라질 수 있을 것이다. 노랑나비를 접어 예술로 저항하자. ‘희망’이란 이름으로 기억에 대한 책임을 지자.

《슬픔을 자르는 기억의 날》 전은 공화국 100년을 지나 국가란 무엇인가. 기억한다는 것은 무엇인가에 대한 질문을 다시 던지고 약속의 무게를 감당하고자 자처하는 사람들이 사회를 지속할 있게 하는 힘이라는 것으로 맺음을 지을 것이다.

●대안공간 아트포럼리

부천시민_Yellow Wings_노란종이_가변설치_2021

부천시민_Yellow Wings_노란종이_가변설치_2021

부천시민_Yellow Wings_노란종이_가변설치_2021

부천시민_Yellow Wings_노란종이_가변설치_2021

부천시민_Yellow Wings_노란종이_가변설치_2021

정연_Near, By, Beside_single channel video_2021

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■ 전시 제목 : 따가운 공존 Stinging Coexistence

■ 참여 작가 : 이지민

이지민(B. 1995)

2014 홍익대학교 미술대학 조소과(주전공)
예술학과(복수전공)
WS 2016/17 슈투트가르트 주립 미술대학교 Freie Kunst

이력
2019 FRAGILE : HANDLE WITH CARE, 13.1 갤러리, 서울, 대한민국
2019 Mentality Flaneur, SeMA창고, 서울, 대한민국
2018 Balance Patch, Alternative Space Noon, 수원, 대한민국
2018 홍익대학교 야외조각전, 서울, 대한민국
2017 Bergstaffel Off-Space, 슈투트가르트, 독일

대안공간 아트포럼리에서는 2021년 3월 26일부터 4월 30일까지 올해의 첫 전시로 “객체지향 프로젝트-세포를 다시 조직하라” 참여 작가인 이지민 작가의 전시를 마련하였다. 현재 진행형인 코로나 19 팬데믹 속 바이러스와의 공존이 전 세계적인 이슈가 되었다. 이처럼 위태로워 보이는 대지의 시간 속에서 우리는 강인한 생명력을 지닌 채 살아가고 있다. 당신은 그리고 당신과 관계 맺고 있는 존재들은 어떻게 생존하고 있는가? 이러한 질문에는 이번《따가운 공존 Stinging Coexistence》의 작품들이 탄생하게 된 고민의 흔적들이 스며져 있다.

이지민 <따가운 공존> 전시 전경, 대안공간아트포럼리, 2021

‘경계’ 라는 키워드로 꾸준히 제작해온 작품들이 암실처럼 설정된 어두운 전시 공간에 전시되어 있다. 나무 팔레트 위에는 실리콘으로 만든 피부 조각이 놓여 있으며, 천장에는 신체의 피부와 장기를 연상시키는 이미지가 인쇄된 천 조각이 조명을 받은 채 달려있다. 마치 해부학 실습에 등장하는 시체 부위 같기도 하고, 도축장에 진열된 고깃덩이 같기도 하다. 시각적으로 그리 유쾌하지만은 않은 작품들은 관람자의 발길을 끌어당기기 힘들어 보이나 그냥 지나치기도 힘들다.

<Debris>, 2021, silicone, wooden pallet, variable installation

<Sabina>, 2021, digital print on polyester, 146x269cm

<Юлия>, 2021, digital print on polyester, 146x269cm

<Julia>, 2021, digital print on polyester, 146x269cm

이 기괴하면서 신비하기도 한 작품들은 우리 몸의 일부를 재현한 것이다. 살과 피는 인간의 신체를 구성하는 핵심 요소로, 때로 삶과 생명 그 자체를 대유한다. 작품에 제시된 피부 조각은 우리의 생존을 결정짓는 중요한 요소이자 물리적으로도 친밀한 존재다. 그럼에도 불구하고 전시장에 재현된 피부 파편들은 두려움과 당혹감을 불러일으킨다. 그 이유는 우리가 인간이나 동물의 몸을 싸고 있는 조직으로서의 일반적인 피부가 아니라, 몸에서 ‘떨어져 나간’ 피부 일부를 목도했기 때문일 것이다. 이러한 시각 언어는 전시장의 영상 작업에서도 관찰된다.

<Untitled(바나나에 향 꽂기)>, 2020, single-channel video, 00:08:53

스크린에는 우리의 입으로 들어가던 식료품이 부산물로 변모하고 있는 순간과 흐르는 시간이 포착되어 있다. 시간이 지나면 과일은 변색되고 말라버리며, 불에 탄 향은 사라지고 말 것이다. 과일에 꽂힌 인센스 스틱은 향을 내고 있지만 이미 음식물 쓰레기가 된 과일과 어우러져 그 고유한 향을 내뿜기 어려워 보인다. 이처럼 작가는 우리에게 종속된 채 타자로서 인식되지 못했던 존재들을 독립적으로 존재하는 대상으로써 전시장에 소환하였다. 작품에 출현한 대상들은 이제 본래의 기능과 별개로 낯설고 무한히 변이되는 가능성을 지닌 존재로 재탄생했다. 또한 관람자의 기존 인식의 질서들을 무너뜨림으로써, 관람자에게 끝없이 변화하는 ‘과정적 주체’ 혹은 ‘객체로서의 정체성’을 부여한다.

이러한 일련의 작품들은 궁극적으로 작가가 우주에 존재하는 생물 종(種, Species)의 체계에 대한 질문이면서 동시에 이에 대한 시각적 응답이다. 작가는 이번 전시 인터뷰에서 종의 분류 체계가 틀렸다기보다 인간 이외의 모든 것들이 수동적인 위치에 배치된 점을 지적하며 작품을 통해 종과 종의 관계에 대한 이야기를 해보고 싶다고 말했다. 이러한 작가의 철학적 사유는 선인장을 형상화한 <Don’t forget to wear your gloves>와 패트리 접시에 제작한 <종>의 연작에서 더욱 선명하게 드러난다.

<Don’t forget to wear your gloves>, 2021, silicone, variable installation

<Don’t forget to wear your gloves>는 작가가 실제로 선인장을 키우며 선인장의 특이한 외형과 생존 방식에서 얻은 아이디어에서 출발한다. 선인장은 친근하면서도 낯설고, 아름다우면서도 위협적이라는 상반된 매력을 가진 식물이다. 선인장의 가시, 원통형의 줄기 등의 해부학적 형태는 식물이 번식하고 생존을 위해 진화된 것이다. 선인장의 가시는 야생의 동물로부터 스스로를 보호하고 내리쬐는 햇볕을 막아주는 그늘막의 역할도 하는데, 이때 선인장은 자신뿐 아니라 주변 선인장의 온도 조절도 함께 도와준다. 또한 선인장은 대게 씨앗을 통해 번식하지만 줄기가 땅에 떨어지면 땅에 뿌리를 내려 새로운 개체가 되기도 하고, 새끼 줄기가 원래 줄기에 접붙임 되어 변형된 형태로 자란다. 작가는 이처럼 다양한 변형을 촉진하며 군집으로 자라는 선인장의 생육 과정을 시각화하며, 비단 자연뿐 아니라 현실에 실재하는 종들(Species)의 생존 관계를 떠올렸다고 한다. 각자의 생존 수단이자 상황에 따라 때론 옆을 지켜주는 가시, 각자의 번식을 위해 서로에게서 떨어져 나가기도 하지만 때론 서로 결합하며 새로운 종으로 탄생하는 선인장의 줄기가 그것이다. 이러한 선인장의 생존 방식은 패트리 접시에 구현된 <종>의 실리콘 형상에서도 읽을 수 있다.

<종>, 2021, silicone, petri dish, variable installation

이 작품은 색을 입힌 실리콘 액체를 직접 접시에 번갈아 부으며 각각의 실리콘들이 모양을 잡아가는 현상을 관찰한 기록이다. 실리콘의 형상들은 언뜻 같아 보이지만 자세히 들여다보면 모두 다르다. 어떤 것은 각각의 색이 뚜렷이 경계를 이루고, 반대로 어떤 것은 자연스럽게 섞인 색이 마블링의 패턴을 만드는가 하면, 또 어떤 것은 흰색의 실리콘이 빨간색의 실리콘이 있는 공간을 침범하여 제 3의 색을 탄생시켰다. 이러한 실리콘들의 다양한 모양에서 우리는 서로 조심스럽게 침투하고, 한정하면서 함께 무언가가 되기 위해 주조되는 실리콘들의 관계를 엿볼 수 있다. 그리고 실리콘을 붓는 행위자가 이 실험을 주도하고 관장하는 유일한 주체가 아니라는 사실 또한 확인할 수 있다. 이 맥락에서 각기 다른 모양의 실리콘들은 어딘가에 예속된 관계가 아니라, 각자가 서로를 경계하고 수용하면서 새로운 세계의 만남으로 이행하는 여정을 은유하는 메타포로 이해할 수 있을 것이다.

이번《따가운 공존》전시에 소개되는 작품들은 세상의 모든 존재 사이에 잠재적으로 지정된 자아와 타자, 주체와 객체 간의 관계의 분열과 화합을 조성해, 관람자가 상호 간의 경계를 오가는 경험의 기회를 제공한다. 이러한 작가의 의도는 단순히 예술적 함의를 드러내는 데서 그치지 않는다. 어쩌면 ‘따가운 공존’ 이란, 불완전한 현 세계와 진행 중인 역사 속에 존재하는 우리의 갈등과 생존, 그리고 관계 맺음에 대한 현실의 단면을 그려낸 것으로 볼 수 있을 것이다.

대안공간 아트포럼리 큐레이터 임소희

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