■ 전 시 명 : 띵찰@아트포럼리

■ 참여작가 : 김광우, 김준서, 나규환, 송차영, 신익균, 이동욱, 이연숙, 이원호, 전진경, 정윤희, 주재환, 홍장폴

■ 전시 기간 : 2025.11.06(목)-12.05(금)

* 월-토 10:00-18:00, 일요일 및 공휴일 휴관

■ 장소 : 경기도 부천시 조마루로 105번길 8-73 대안공간아트포럼리 1F

■ 기획 : 아트포럼리, 이지혜

■ 문의 : artforum.co.kr / artforumrhee@gmail.com / 032)666-5858

‘띵찰’, 이름짓기의 전복과 사소함의 정치학

‘띵찰’은 언어의 작은 회전에서 출발한다.
‘명찰’이라는 익숙한 단어 속 음절을 비틀고 뒤집음으로써 생성된 이 단어는,
이미 익숙해진 의미체계의 내부에 균열을 내며 새로운 감각의 지층을 연다.
이 단어의 발명자는 주재환이다. 그는 오랫동안 “무엇이 명작인가?”라는 질문을 던져왔다.
‘명작’이라는 말 속에는 이미 제도와 권위, 심사와 기준이 내포되어 있다.
그는 그 언어의 권위를 비틀어, ‘명찰’이라는 일상의 오브제 안으로 끌어들였다.
그리고 거기서 다시 ‘띵찰’을 만들어낸다.
그 행위는 명명(naming)의 체계가 어떻게 권력을 형성하고 예술의 의미를 통제해왔는가에 대한 통렬한 비판이다.

《띵찰@아트포럼리》는 이러한 언어적 전복을 미학적 실천으로 확장한다.
300여 점의 ‘띵찰’들은 하나하나 독립된 사유의 조각이지만, 동시에 전체적으로 하나의 리좀적 네트워크를 구성한다.
그들은 벽면 위에서 단일한 서사를 이루지 않는다. 오히려 각기 다른 기호, 색채, 텍스트, 이미지들이 얽혀 새로운 관계망을 형성하며 감각의 분할(distribution of the sensible)을 다시 그린다.

이 전시는 들뢰즈와 가타리의 ‘리좀(rhizome)’ 개념, 라투르의 ‘행위자-네트워크(ANT)’ 이론,
그리고 랑시에르의 ‘감성의 분할’이 교차하는 지점에 서 있다.
‘띵찰’이라는 작은 명찰은 더 이상 단순한 오브제가 아니다.
그것은 사회적 기호, 기억의 파편, 일상의 단어, 예술 제도와의 긴장까지도 품은 행위자(actor)로서 작동한다.
이 작은 기표들은 서로 연결되고, 퍼지고, 뒤섞이며 ‘예술’이라는 거대한 이름을 다시 구성한다.

이때 예술은 더 이상 완성된 작품의 형식이 아니라,
관계적 생성의 과정 속에서 스스로를 갱신하는 지속적인 사건(event)으로 존재한다.
《띵찰@아트포럼리》는 바로 그 사건의 현장이다.
여기서 예술은 이름을 얻는 것이 아니라, 이름 짓기의 권력으로부터 벗어나 ‘되기(becoming)’의 과정으로 이행한다.
즉, ‘띵찰’은 단지 명찰의 패러디가 아니라,
명명된 세계를 다시 발명하려는 예술적 정치학의 선언이다.

이 전시는 ‘사소함의 정치학(politics of the trivial)’을 시각적으로 사유한다.
아무렇지 않은 일상의 사물이, 그 안에 내재된 사회적 구조를 드러내는 순간,
그 사소함은 더 이상 하찮지 않다.
그것은 익숙한 것들에 균열을 내고, 보이지 않는 감각의 질서를 재편하는 힘이 된다.
‘띵찰’들은 그 균열의 조각들이며,
그 조각들이 모여 이루는 공간은 결국 예술의 민주적 감성 실험실로 변모한다.

■대안공간아트포럼리 디렉터 이훈희

주재환, <왜 한자인가>, 2024, 12.3x10cm, 혼합재료

주재환, <성난불>, 2025, 12.3x10cm, 혼합재료

주재환, <불가사의>, 2024, 12.3x10cm, 혼합재료

주재환, <경천동지의 행위예술가>, 12.3x10cm, 혼합재료

이원호, <존>, 2025, 12.3x10cm, 혼합재료

이연숙, <부푼꿈>, 2025, 12.3x10cm, 혼합재료

이동욱, <금>, 12.3x10cm, 종이에 금박

송차영, <일상이 예술이 될 때>, 2025, 12.3x10cm, 종이에 펜, 잉크

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■ 전 시 명 : 부천민예총 해방 80년 분단 80년 기획전시 〈1945 이후로부터의 시선〉

■ 작 가 명: 강근옥 고천성 남수지 박미현 안미현 이정현 최정규 김성수 류연복 박일훈 선무 송창 이윤엽

■ 전시 기간: 2025.09.18.(목)-10.13.(월)

* 월-토 10:00-18:00, 일요일 및 공휴일 휴관

■ 장소: 경기도 부천시 조마루로 105번길 8-73 대안공간아트포럼리 1F, B1F

■ 문의 : artforum.co.kr / artforumrhee@gmail.com / 032)666-5858

1945년, 해방의 빛이 한반도에 스며들던 순간—
우리는 기쁨과 분열, 희망과 상처를 동시에 품었다.

그로부터 80년,
우리는 여전히 해방을 기념하며
동시에 분단의 시간을 견디고 있다.

이 전시는 그 두 개의 시간을 마주하는 일이다.
과거를 되짚으며 오늘을 바라보고,
오늘의 현실 위에 내일의 평화를 그려보는 일.

작가들은 각자의 자리에서
상처와 기억, 경계와 갈망을 응시한다.
그리고 분단의 선을 가로질러
평화라는 상상력의 언어를 새롭게 짓는다.

《1945 이후로부터의 시선》은
역사를 기억하는 전시가 아니라,
미래를 상상하는 전시이다.

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■ 전 시 명 : 새로운 자연계약을 위하여

■ 작 가 명: 김준서, 김태덕, 송차영, 이능재, 이송, 이원호, 이윤석, 이윤이, 이은주

■ 전시 기간: 2024.11.06(수)-12.04(수)

* 월-토 10:00-18:00, 일요일 및 공휴일 휴관

■ 장소: 경기도 부천시 조마루로 105번길 8-73 대안공간아트포럼리

■ 문의 : artforum.co.kr / artforumrhee@gmail.com / 032)666-5858

■ 주최/주관 : 대안공간아트포럼리

■ 후원: 한국문화예술위원회, 2024 공공예술 프로젝트

■ 프로젝트 일정

– 새로운 자연계약 법인 선언
 1. 렉처 퍼포먼스

(1) 야생신탁
강연자 | 김산하(생명다양성재단 대표)
일시 | 2024.11.15(금) 오후 3시
장소 | 대안공간아트포럼리

(2) 개발에 대해 동맹을 맺는 사람들
강연자 | 장정구(기후생명정책연구원 대표)
일시 | 2024.11.15(금) 오후 7시
장소 | 대안공간아트포럼리

신청링크 | https://forms.gle/TgjwoXgLL3pB6iK17

2. 워크샵
새로운 자연계약 법인 ​설립 취지와 ​목적
참여예술가 선언을 위한 워크샵 2회
씻김굿 퍼포먼스를 위한 대장동 현장 정돈
일시 | 2024.11.22(금)-23(토) 오후 2시-6시
진행 | 이윤이

– 라운드 테이블

부천 대장동의 객체 관계사: 부천환경활동가와 예술가 현장 공유 집담회
참여자 | 고대현, 김기현, 남수지, 최진우, 한원상
일시 | 2024.11.16(토) 오후 5시 30분
장소 | 대안공간아트포럼리

신청링크 | https://forms.gle/1AnCgyhPAvgU3GNV9

–  퍼포먼스

개발로 인해 죽어간 비인간 존재들을 위로하는 씻김굿 with 풍물굿패 타락
새로운 자연계약 실현을 위한 예술가 실천 선언
일시 | 2024.11.30(토) 오후 2시-5시
장소 | 부천 대장동 맹꽁이, 금개구리 대체 서식지
* 오시는 길
부천역남부광장·중동역·송내역C·부천시청역 2번출구.현대백화점.이마트 정류장에서 12-1번 버스 탑승
대장초교 정류장에서 하차 후 도보 2분(약 100m)

신청링크 | https://forms.gle/wtTLw5EL9xLSbtRA6

계약의 당사자로 나서며
(새로운 자연계약을 위하여 전시를 준비하며)

■대안공간아트포럼리

2024년 11월 6일 대안공간아트포럼리에서 열리는 <새로운 자연계약을 위하여>전은 한해 작업과 공부의 결실이기도 하고 2023-24년 한국문화예술위원회 공공예술지원사업의 결과 중 하나이기도 하고 2018-19년 인간과 기계, 예술과 기술의 관계에 주목했던 4차예술프로젝트에 이어 2020년 본격적으로 객체지향예술이라는 화두를 갖고 사유의 전환을 꾀하는 예술프로젝트를 이어온 5년의 결실이기도 하다.
기후 위기 시대를 경험하며 인간이 건설한 문명이라는 것이 무기력하거나 보잘 것 없다는 생각을 지울 수 없게 되었다. 권력과 자본을 앞세워 문명을 건설하고 많은 억압과 착취의 과정은 21세기 불평등이라는 사회구성 기본값을 야기했다. 인간의 사유가 긍정적인 결과로 이어지지 않는 상태에 대한 절망, 행위 주체로서 갖는 비윤리성에 대한 자각과 생태계, 기후, 질병, 기술 등 세상의 변화 가속화를 유발하는 문제들이 문제이기만 한 것이 아니라 다른 사유의 관점을 찾아야만 하는 불가피한 동기로 작용했다. 그래서 각기 다른 존재 간 상호 연결에 대해 알아가기 위한 장기 프로젝트를 시작했다.

2020년 예술가들과 더불어 인간중심주의를 넘어서 새로운 상상을 해보자는 의기 투합으로 전시회를 기획하고 생태주의적 사유와 실천을 하는 연구자(과학, 사회, 지리, 지질, 법학자, 농부 등)들의 강연을 듣고 워크숍을 시작했다. 공생이 아니면 죽음일 수 밖에 없는 명료한 자연법이 갖는 엄격함에 기대어 계약관계를 맺고 존재 방식 전환을 도모하는 ‘새로운 자연계약을 위하여’ 라는 공공예술 프로젝트에 이르게 된다. 민간예술공간에서 풀어내던 ‘작가중심적 프로젝트’에서 ‘공공예술프로젝트’로의 이행에는 부천대장들녘이 3기 신도시 개발지로 선정되어 LH에 토지수용이 된 후 왕래와 사용을 금지당한 2023년이 분기점이 되었다. 국가의 개발에 의해 곧 사라지게 될 대장동의 풍경과 그 안에 살고 있는 존재들과 ‘농사’라는 행위를 통해 만나는 ‘이론과 실천의 연결이 시작’되는 시점이기 때문이다. 농사를 금지당한 대장들녘에 예술농부라 명명하고 참여신청한 신청자들과 예술가들이 농사를 통해 전체 개발 면적 100만평 가운데 200평 땅에서 6개월 간의 스쾃을 감행했다.

(중략)

2024년 국가가 결정한 대장동 도시계획 정책에 따라 발생한 사건의 현장인 ‘맹꽁이, 금개구리 대체 서식지’에 인접한 농장을 전시, 퍼포먼스 공간으로 설정했다. 부천시 도시개발과와 LH계양대장지구사업본부, 국회의원실에도 협력을 요청했지만 허가는 불발되었다. 사건의 현장이 공유의 장소가 되지 못하고 결국 전시공간 안으로 전시장소를 변경했다.

<새로운 자연계약을 위하여> 전시에 참여하는 작가들은 길게는 5년 전부터 혹은 2년 전부터 프로젝트에 참여해 기획 방향에 대해 합을 맞추는 지난한 과정을 거쳤다. 작가들이 자신만의 방법론을 내려놓는다는 것은 기존의 사고와 방법을 넘어서기 위한 사고의 ‘도약’ 과정 중이라는 말이 더 적합할 것 같다.
경험은 실천으로 바로 연결되지 않는다. 경험이 실천으로 이어지기 위해서는 주체화의 과정이 선행되어야 하고 나를 둘러싼 객체들과 나와의 배치를 재조명하고 인간 중심의 배제 논리와 타자화의 시각에서 벗어나 다른 배치를 통해 사유해야 함을 인식하게 했다.
올해 전시는 지난 5년간의 여정을 반추하고, 새로운 자연계약을 맺을 구체적 대상을 설정하며 어떠한 의무통과점을 거쳐 이루어 갈 것인가를 시각적으로 탐구한다. 인간 중심주의에서 벗어나고자 한 지난 시간은 결국 모든 세계가 촘촘히 연결되어 잠시 문제를 다른이에게 전가하거나 모른 척해도 결국 옮겨가고 확산되어 되돌아온다는 것을 깨닫는 과정이었다.

프로젝트는 마무리 단계에 접어들지만 여전히 계약 준비 단계라는 고백을 할 수 밖에 없다. 자연과 새로운 계약을 맺고자 하는 당사자로서 말이다. 인간과 비인간 존재들이 동등한 계약의 당사자로서 함께 공존할 수 있는 가능성을 모색하는 실천이 계속 필요하다.

un indexed, 김준서, digital print 18k, Diasec, 3d scan data, unreal engine, 80x230cm, 2024

우리, 헤어질 결심, 김태덕이능재, 10min, 2024

the flowing line #1, 송차영, watercolor, pen on paper, 1090x1576cm, 2024

비자립주택, 이송, oil on canvas, 89.4×130.3 cm, 2024

피사리, 이원호, 피, 옷, 끈, 나무화판, 물감, 가변설치, 2024

회전목마, 이윤석, 린넨에 유화, 193.9×259.1cm, 2024

굴포천 대가속 리바이어던, 이윤이, 종이에 잉크젯 프린트, 84.1×59.4cm, 2024

언젠가 모두 숲이 되겠지만-대장동 68번지 랜드스케이프, 이은주, 노방천에 손바느질, 64x158cm, 2024

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■ 전 시 명 : 사건의 지평선 ; 현암마을

■ 작 가 명: 강영민, 김윤철, 김인규, 민병헌, 백남준, 송창애, 쑨지, 이상원,

이연숙

■ 전시 기간: 2024.10.15(화)-12.15(일)

* 화-일 10:30-18:00 (17:30 입장마감) / 월요일 휴관

■ 장소: 충남 서천군 판교면 현암리 중대본부(우체국), 오방앗간, 촌닭집,

장미사진관, 판교극장

■ 문의 : artforum.co.kr / artforumrhee@gmail.com

T. 041)951-9522 / 032)666-5858

■ 주최/주관 : 서천군

■ 후원: 문화체육관광부, 충청남도

사건의 지평선 (Event Horizon)

내부에서 일어난 사건이 외부에 아무 영향도 미치지 않게 되는 경계면을 가리킨다.
지평선(horizon) 안에서 일어나는 사건에 대해 지평선 밖에서는 어떠한 정보도 감지할 수 없기에 이러한 이름이 붙었다.

물리학에서는 사건의 지평선 내부를 블랙홀로 정의하기도 한다.
물체는 감속하지 않은 정상적인 속도로 블랙홀을 향해 들어가더라도 관찰자의 입장에서는 그것을 알지 못하고 거의 영원토록 사건의 지평선을 지나기 전의 물체의 빛만 받을 수 있는 것이다.

현암마을 (판교면 현암리)

한때 ‘시간이 멈춘 마을’이라고 불리었다. 마을이 생기고 수많은 시간이 흘렀지만 그 시간 동안의 흐름이나 변화는 크게 적용되지 않았던 마을이다. 시간이 멈춘 마을로 사람들에게 알려져 있던 이곳은 우시장이 열렸던 곳이고, 1931년 기찻길이 열리면서 시장이 번창했던 곳이었다.

지금은 그 번영의 시간을 감지 할 수는 없는 마을의 모습으로 남아있다.
작고 소담한 마을 골목으로 접어들면 추억속의 외갓집 풍경 어디쯤 남아있을법한 장면들이 펼쳐진다. 익숙하고 친숙하고 정겹다.
이 마을의 지명인 ‘현암리’는 현암(검은 바위)에서 유래됐다. 그러나 현암은 어디쯤인지 잘 보이지 않았다.

2024년 봄 어느 날, 문화재생사업을 통해 촌닭집 공간을 리모델링하던 중 공간 바닥에 무언가가 걸리기 시작했고 파내어 보니 건축물 뒤에 작게 자리했던 현암이 그 속에 잠자고 있었다.

그 긴 시간동안 바위는 계속 그 자리에 있었는데 왜 그 바위 위로 집이 지어졌는지 우리는 알 수 없었다.

검은 바위는 시간이 지나옴에 따라 가려졌다가 다시 모습을 드러낸 것이었다.
마치 사건의 지평선 블랙홀 안에서 무슨 일이 일어나는지 우리는 알 수 없듯이 가리어졌던 검은 바위와 함께 시간은 멈춘 것이 아니고 존재해오고 있었던 것이다.

사건의 지평선 이론 체계는 시공간을 바탕으로 시작된다. 그리고 시간의 동시성, 길이의 지연 등 수많은 학설과 학제가 있지만 분명한 건 우리는 알지 못하는 어떤 공간에서도 시간은 존재하고 어떤 사건이 일어났는지는 알 수 없고 아주 오랜 시간이 지나 우리에게 알려지거나 그렇지 않을 수 있지만 분명 존재하고 있다는 것이다.
긴 시간을 지나 세월을 버티면서 하나하나의 공간에 시간의 켜를 아로새긴 것이다.

이번 전시는 이 작은 마을에서 일어난 어떤 시간의 사건들을 다시 한번 꺼내어 새겨보고자 기획되었다. 전시를 통해, 하나하나의 공간에 새겨진 시간의 켜를 동시대 작가들의 작품과 함께 무한대의 시간으로 새겨 볼 가능성을 가진 공간, 무한의 마을로 만들어 이 마을의 지속된 시간과 사건(EVENT)의 지평을 열고자 한다.

김인규, 검은바위, 캔버스에 아크릴, 과슈, 53×45.5cm, 2024(중대본부 1층)

쑨지, As We Breathe, Acrylic on canvas and uv light, 가변설치, 2023(중대본부 2층)

이상원, 34 Yacht, oil on canvas, 73x73cm, 2024(오방앗간)

김윤철, Amorph 아모르프, 해초로 만든 하이드로젤, 아크릴 LED, 100x100x10cm, 2018(오방앗간)

백남준, 촛불TV, Mixed media, 60x51x44cm, 1996(오방앗간)

이연숙, 참을 수 없는 존재의 가벼움 Liminal Space, 혼합 매체, 가변 설치, 2024

민병헌, Bird TB135, Gelatin silver print, 37x47cm, 2019(장미사진관)

송창애, Water Odyssey-Mirror (워터오디세이-거울), PC, Leap Motion Sensor, 사운드, 프로젝터, 모니터, 2023(판교극장 1층)

강영민, 조는 하트, 애들벌룬_400x400x30cm, 2015(판교극장 2층)

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■ 전 시 명 : 공연히 숲을 헤쳐서 뱀을 일구더니

■ 작 가 명: 하자유

■ 전시 기간: 2024.09.23(월) – 2024.10.04(금)

*월-토 10:00-18:00 / 일요일 휴관

■ 장소: 경기도 부천시 조마루로 105번길 8-73 대안공간아트포럼리 1F

■ 문의 : artforum.co.kr / artforumrhee@gmail.com T.82(0)32-666-5858

✺ 이 전시는 부천시와 부천문화재단이 지원하는 “2024 차세대전문예술활동지원 <청년예술가S>” 사업의 일환으로 제작되었습니다.

전시 서문

어떤 작품은 우리를 아주 멀리 데려가지만, 하자유의 작품은 우리를 가까운 곳에 오래 머물게 한다. 하자유의 주된 모티브인 ‘흔적’ 은 중의적 의미를 지닌다. 사라져가는 공간과 순간을 포착하여 캔버스에 옮긴 유화 작업은 대상을 화면 위에 흔적으로 담아내는 반면, 이번 전시에서 선보이는 다수의 판화 작업은 목판 위에 흔적을 새기는 행위 그 자체에 집중하고 있다. 장면의 서정성과 대상의 시각적 재현에 집중한 페인팅과 달리 하자유의 판화는 촉각적 경험을 통한 체화의 과정으로 볼 수 있다.

이번 전시에서 특히 주목해야 할 지점은 전시 제목인 《공연히 숲을 헤쳐서 뱀을 일구더니》가 내포하고 있는 의미다. 이는 ‘긁어 부스럼’의 북한 속담으로, 공연히 숲을 쑤셔 뱀을 나오게 해 위험에 빠뜨린다는 말이다.

나는 그 숲을 헤쳐서 뱀을 일구어내는 꿋꿋하고도 어이없는 존재를 어렴풋이 느꼈다. 그 심연의 동력을 파헤쳐 보고 싶어졌다. 구태여 뱀을 일구는 자는 무엇 때문에 일구는가, 가만히 내버려두면 될 것을···. 아름다움을 목격했다는 사실로 숲을 파헤쳐 뱀을 일구어가는 이들이 존재하기에 뱀과 같이 꿈틀거리는 수많은 생명의 존재를 인식하게 된다.

는 작가의 말처럼, 어쩌면 긁어 부스럼은 예술가들이 가장 잘 해내는 것이며 그들의 아름답고도 슬픈 숙명 같은 것일지도 모른다. 한 시간이면 등반할 숲을 두 시간이고 세 시간이고 헤매는 사람처럼 오르기에 목적을 두지 않는 무위, 우연에 맡겨진 거닐기. 다가오는 이미지와 감상에 스스로를 내맡긴 채 흔적으로 남길 순간의 광경을 음미하는. 이것저것 둘러보고 들춰보는 산책자의 태도가 곧 하자유가 말하는 예술가적 태도이다.

그런 의미에서 작가의 페인팅이 한 발짝 멀리서 숲을 바라본 것이라면 판화 , 작업은 눈 덮인 숲 한복판에 들어선 사람으로서 하얀 땅 위에 찍은 불규칙한 발자국이며 매끄러운 공백의 나무판에 새긴 거친 흔적이다. 우리는 작가가 구태여 새겨둔 발자국을 뒤따라 걷는 사람이 되어 기꺼이 함께 한가로이 헤매기도 하며, 그와 우리의 발걸음을 멈춰 서게 했던 얼굴과 장면을, 순간을 함께 되짚어보게 될 것이다. 하자유가 마음껏 헤집어 놓은 흔적을 발견하는 즐거운 시간이 되길 기대한다.

■ 정우연 큐레이터

작가노트

어느새 짐들로 빼곡히 들어찬 작업실을 보고 있으면 걱정이 되곤 했다. 당장 하고 있는 이 행위들이 때로는 기능을 알 수 없어 나아갈 수 없는 기분이었다. 의미를 망각한 채 거대한 벽을 마주한 듯 했다. 한동안 그 앞에 정체되어 있다가 하는 수 없이 시작이라도 하자며 6년 전의 나처럼 나무 판을 파기 시작했다. 칼날 위로 나무의 표피가 부스러기가 되어 떨어졌다. 책상 모서리에, 카펫 위에, 바닥으로 하염 없이 떨어지다가 이내 쌓여갔다. 나는 그것들을 보며 이 모든 것은 긁어 부스럼이라고 중얼거렸다. 여전히 나는 내가 발견하고 목격한 어떠한 주파수를 감각하여 시각적 행위로 나의 몸을 움직여 기록한다는 것에 아직 해야 할 이유를 구태여 찾아내야만 했다.

평소처럼 핸드폰을 들었다. 그리고 ‘긁어 부스럼’ 이라고 두드렸다. ‘공연히 숲을 헤쳐서 뱀을 일구더니’ 는 그렇게 마주하게 된 문장이었다. 나는 그 속에서 부정적인 시선들로 가득한 숲을 헤쳐서 뱀을 일구어내는 하나의 꿋꿋하고도 어이없는 존재가 어렴풋이 느껴졌다. 그 존재에게서 심연의 동력을 파헤쳐 보고 싶어졌다. 구태여 뱀을 일구는 자는 무엇 때문에 일구는가, 가만히 내버려두면 될 것을 굳이 복잡하게 만드는지 말이다. 나는 아름다움을 목격한 죄로 끝없이 수라갯벌의 살아있는 현장을 기록한다는 활동가의 말을 떠올렸다. 과거에 수많은 생명이 가득했던 갯벌의 아름다움을 목격했던 이는, 모든 것이 막힌 채 가치가 공유되지 않는 오늘도 굳이 굳이 숲을 파헤쳐 일구어내는 이다. 구태여 파헤친 숲이 존재하기에 뱀과 같이 꿈틀거리는 수많은 생명들의 존재를 우리는 인식하게 된다.

표면에 드러나지 않으나 그 이면에 파여진 조각과 흔적으로 파생되는 것들이 있다. 흩날리고 사라져버리는 듯한 부스럼을 만들 이유는 없어 보이기도 한다. 그러나 정직하게 목격하는 이는 흔적이 지나간 자리를 볼 것이다. 셜록 홈즈가 사건을 해결하는 실마리는 남들이 보지 못한 작은 단서를 무시하지 않음에서 시작한다. 결국에는 짐이 될 것이라며 긁어 부스럼이라며 현실에 자주 절망하고 비관하게 됨에도 어떠한 흔적을 주목하며 쌓아가는 것은 인간의 존엄과 역량을 도리어 발견하게 되는 지점이 된다. 나는 현 사회를 공유하는 사람들이 당장 명료화되지 않은 하루를, 어떠한 발걸음을 이어가는 것과 비슷하다고 느꼈다. 끝내어 멈추지 못하며 당장의 유토피아가
펼쳐지지 않음을 인지하면서도 이 세상에는 여전히 이 모든 것을 감수하여 삶이라는 판을 긁어내는 생명들이 들끓고 있다.

더위에 못 이겨 선풍기를 틀었다. 내가 파헤쳐 놓은 톱밥이 미풍의 바람에도 작업실 곳곳으로 흩어졌다. 켜켜이 쌓이다가 이내 떼어진 표면이 눈앞에 있었다. 나는 흔적들로 파생되는 다른 가능성을 보려고 애쓰는 또 하나의 흔적으로 존재했다. 이들은 다시 벽 앞에 서 있다. 이들의 존재가 끝끝내 공연히 숲을 헤쳐 대지의 일원으로, 녹색을 품은 줄기로, 저 밑에 도달하는 뿌리를 감각할 수 있는 존재로 일구어낼 것이라는 긁어 부스럼을 말하고 싶었다. 아주 작은 부스럼을 신뢰하는 마음으로.

■ 작가 하자유(b.1997)는 사라져가거나 새롭게 마주하는 것들을 유화와 목판에 흔적으로 남기며 작업한다. 북경 중앙미술학원 판화과를 졸업하였고, 2023년 개인전 《흔적이 풍경이 될 때》(미루갤러리, 서울), 《흘러흘러 어디로 가나》(예술공간 광명시작, 광명)을 시작으로 2023, 2024 부천아트페어에 참여하며 활발하게 작품
활동을 펼쳐가고 있다.

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■ 전 시 명 : 개울가의 나한들

■ 작 가 명: 박은태

■ 전시 기간: 2024.09.09(월) – 2024.10.10(목)

*월-토 10:00-18:00 / 일요일 휴관

■ 오프닝 행사: 작가와의 대화

2024.09.09(월) 15:00-17:00

진행 | 이훈희(대안공간아트포럼리 디렉터), 정윤희(비평그룹 시각)

■ 장소: 경기도 부천시 조마루로 105번길 8-73 대안공간아트포럼리 1F

■ 문의 : artforum.co.kr / artforumrhee@gmail.com T.82(0)32_666_5858

■ 주최/주관 : 대안공간아트포럼리

■ 후원: 한국문화예술위원회

개울가의 나한들, 2024, 캔버스에 아크릴, 130X388cm

다른 한편으로, 해방의 시간성

정윤희(비평그룹 시각)

AI(Artificial Intelligence), 빅데이터로 표상되는 디지털 신기술 시대에 노동과 관계한 문제는 노동의 효율성이 향상되면서 발생하는 실업 문제이며 이를 해결하기 위해서는 새로운 일자리를 만들고 신기술 교육으로 해소해야 한다는 담론이 지배적이다. 신기술에 의한 노동 관계의 형식과 방법 체계의 변화는 시·공간의 지각과 정동을 새롭게 변화시키지만, 알고리즘에 기반한 자동화된 의사 결정은 사회적 차별을 심화하거나. 기업이 보안 강화와 시간 관리 등 업무 효율성을 향상을 위한 목적으로 도입하는 업무용 어플리케이션이 새로운 형식의 노동자 감시와 노동자의 시간 권리를 파편화시키는데 활용된다는 사실은 은폐된다. 1936년 찰리 채플린(Sir Charlie Chaplin)의 영화 「모던타임즈」에서 노동자가 대량 생산의 효율성을 높이기 위한 자동화 시스템 ‘컨베이어벨트’ 위에서 기계의 움직임에 따라 정해진 동작과 시간에 맞춰 반복적으로 쉴 틈 없이 나사를 조이다가 결국 인간성을 상실한 채 톱니바퀴 사이로 끌려 들어가는 장면은 최근 생산 로봇이 오작동을 일으켜 생산을 관리하던 노동자를 사물로 인식해 죽음에 이르게 했던 사건과 다르지 않다. 이렇듯 기술만능주의가, 물신주의가 노동자를 소외시키고 존엄성을 파괴하는 사실은 변하지 않았다.

박은태 작가는 변하지 않는 자본주의적 생산 관계의 구조에서 착취당하는 노동자의 삶, 관계, 공간의 단면을 표상하는 인물 중심의 리얼리즘 회화로 증언해왔다. 한국 미술 계보에서 노동 문제에 천착한 대표적인 ‘노동미술가’로 호명되는 작가의 시선은 일상에서 수없이 만나는 해고 노동자, 비정규직 노동자, 일용직 노동자, 여성 노동자, 노인노동자, 노숙자 등 자본주의 사회에서 필연적으로 소외당하는 인간에게 향한다. 공장 노동자로 사회생활을 시작해 ‘87 민주화 운동’ 시기에 대학을 다니고, 90년 민미협의 ‘노동미술위원회’를 이끌었던 작가에게 노동 운동 현장에서 필요한 걸개 그림을 그리거나 투쟁 현장에서 미술 전시장을 여는 것은 작가의 삶에 베어진 일상적인 삶의 방식일 것이다.

박은태 작가의 회화는 동시대 리얼리즘의 예술의 다양한 표현 양식을 추구하기보다 주제의 상직적 표현, 인물과 사건 묘사로 노동 미술의 계급성과 전형성을 담보한다. 매체를 혼합하듯 인물과 개연성 있는 배경이나 텍스트를 배치하여 몽타주나 콜라주가 연상되기도 한다. 그 그림을 경험한 사람에게 작가가 목도한 현실의 문제를 명징하게 전달하고, 인간 존엄의 정동을 갖게 하고, 사실을 기억에 남기고, 움직이게 하고자 함일 것이다.

<개울가의 나한들>은 자연과의 관계를 전면에 내세운다. 흐르는 물과 바위가 화면을 가득 채우고 그 위에 배치한 노동자들을 ‘나한(羅漢)’으로 호명한다. ‘나한’은 부처로부터 불법을 지키고 중생을 구제하라는 임무를 위임받은 제자들로 깨달음의 경지에 도달한 실존했던 수행자 이다. 작가의 표현에 따르면 ‘정처 없이 떠밀려 가는 사람들’, 자본주의의 노동과정과 생산 관계에서 타자화될 수밖에 없는 ‘노동소외’된 노동자들을 ‘나한’으로 호명한 이유는 무엇일까? 자기 삶을 실현할 수 있는 ‘노동 해방’을 꿈꾸는 주체로서 노동자에 대한 믿음을 표현한 것은 아닐까? 인간은 노동으로 자기 삶을 실현하는 ‘유적 존재’인데 오로지 생존을 위한 노동을 하게 되는 순간 노동은 무의미한 과정이 되며, 노동의 결과인 생산물이 자본가의 소유이기 때문에 생산물로부터 소외된다. 칼 맑스(Karl Heinrich Marx)는 “노동은 인간과 자연 사이의 과정이며, 이 과정에서 인간은 자신의 고유한 활동을 통하여 자연과의 물질대사(Stoffwechsel)를 매개하고 규제하고 조절한다.”고 밝혔다. 노동자 스스로 능동적으로 신체를 움직여 자연 간의 현실적인 상호작용을 이루어낼 수 있다는 것이다. 그 맥락에서 96년작 ‘염원<불멸의 나무>’는 땅에 묻힌 사과나무의 튼튼한 뿌리와 씨앗 등 생태적 기표를 차용해 대량 해고와 불안정 노동을 야기하는 ‘경제물신주의’를 바로 잡는 주체적인 노동자의 표상을 발견할 수 있다.

<개울가의 나한들>의 ‘나한’으로 호명된 노동자의 몸의 일부를 바위나 물과 중첩되어 보이도록 붉은 선으로 묘사한다. 바위 표면의 균열, 물의 흐름과 인물이 하나의 선으로 연결되어 마치 물아일체(物我一體)의 상태로 보이기도 한다. ‘개울’의 기표는 물이 흐르고 이어지고 돌아가는 물질적 특성을 인간의 본성으로 기의한다. 나한들의 기억이 모인 개울은 강으로 바다로 흐르듯 인간 자신의 내면의 성찰과 인간과 인간, 인간과 다양한 비인간 존재들과의 관계, 호혜성의 열린 관계를 노정하는 공간이다.

자본주의를 추동하는 ‘시간성’은 작가가 다뤄온 인간 소외 현상을 일으키는 중요한 요인이다. 그런 맥락에서 그림 전반에 흐르듯 펼쳐진 ‘선’을 고대 철학자 아낙시만드로스(Ἀναξίμανδρος)가 존재의 생성과 소멸이 한정된 것으로 ‘시간’의 기원을 밝힌 것의 연속 선상에서 들여다볼 수 있다.  자본주의는 이윤 극대화와 경제성장을 추구하기 위하여 노동자 착취를 합리화하기 위한 도구로서 ‘시간’을 계획했다. 자본가는 시간의 지배자이고 시계는 일상 전부를 자본이 잠식하도록 패권을 옹호하는 도구다. 무한경쟁을 강제하는 신자유주의의 거대하고 조밀하게 구조화된 그물망에 걸린, ‘프롤레타리아’의 희생은 신자유주의 노동 시장을 확대하고 불평등을 무한하게 재생산한다. 실상 ‘자연의 시간성’은 간주되지 않는다. 그저 자연이 동식물 자원이나 광물 자원을 활용한 상품 생산을 위하여 약탈당하는 재료로 취급할 뿐이다. 그러나 기후 위기에 직면한 요즘 사회 전반에 걸쳐 자연의 권리, 자연과의 관계의 평등한 관계에 대한 자성의 목소리가 들리기도 한다. 자본주의의 지배와 착취의 질서를 규정하는 ‘시간’ 즉 우리가 지각하는 공통의 세계를 수량화할 수 있는 직선의 ‘시간’이 무너지기를 기대해본다. 그래서 인간 본연과 자연의 생성과 소멸과 관계하며 생명의 역동성이 살아있는 다채로운 리듬으로 이루어지는 ‘자연의 시간성’ 복원이 이루어져 인간-비인간이 자신을 실현하며 공존할 수 있다면 지금의 위기를 벗어날 수 있을까?

“착취의 부정의에 예속되는 자들이 겪는 가장 근본적인 부정의는 시간을 갖지 못하는 부정의, 시간성 분배의 부정의다.” 프랑스 철학자 자크랑시에르(Jacques Rancière)는 불평등을 무한하게 재생산하는 ‘시간성’ 자체를 투쟁의 대상으로 삼을 것을 주문한다. 능동적 인간이 배치할 수 있는 ‘시간 있는 자들의 시간’이 있다면, 그 반대에는 허구의 세계에서도 시간을 갖지 못하는 위계가 존재한다는 것이다. 하나의 직선으로 이어진 인과론적 시간성과는 다른 ‘순간’, 예술과 정치에서 발현될 수 있는 새로운 시간성을 창출할 수 있다는 것이다. 그래서 <개울가의 나한들>을 통해 신자유주의 질서에서 배제되는 시간, 아무것도 일어나지 않은 시간, 시간의 나눔 자체를 재편하는 것, 돌봄과 호혜의 관계를 바탕으로 재생산된 시간성 ‘해방의 시간성’을 연결해보았다. 더 나아가 자본세(Capitalocene·) 위기와 젠더의 불균형, 인간과 자연 사이의 지배-피지배 관계에 대한 비판적 인식에 대한 탈식민주의적 담론으로 해석을 확장해 볼 수도 있겠다.

노동산수도2, 2023, 캔버스에 아크릴, 130x194cm

팔보살의 여행, 2023, 캔바스에 아크릴, 89x260cm

성사천 다리에서, 2016, 장지에 아크릴, 138.5×102cm

김포에서, 2015, 잉크젯 출력, 162×102cm

박은태(b.1961)

1992 홍익대학교 회화과

개인전
2020천근의 삶, 인디프레스, 서울
2018 늙은기계 – 두개의 시선, 8회 개인전, 세종문화회관미술관 광화랑
2017 고암이응노 미술상 수상기념전, 고암이응노 생가기념관
2015 기다리는 사람들, 광화랑,서울
2012 가라뫼 사람들 – 새마을 운동의 명암, 광화랑, 서울
2010 부자되셨나요 떠나셨나요? – 상품광고와 일상의 삶, 평화박물관 스페이스 99, 서울
2008 어머니 – 한 여인의 발자취, 고양어울림미술관, 고양/광화랑, 서울
2005 초라한 사람들2, 혜화역 전시장 ,서울
2000 초라한 사람들, 서울역 문화관, 서울

주요 단체전 1991~ 2024 (140여회)
2024 내 이웃의 얼굴_사람전, 경기아트 갤러리
2023 현실 미술의 순간전, 동덕아트 갤러리
삶 생명_사람전, 경기아트 갤러리
동학농민 혁명 기념전, 전북대 삼성문화회관
어제와 오늘, 문화공간 역, 춘천
노동 미술전, 울산 노동 역사관, 울산
2022 다면체 미로 속의 진동, 국립 아시아 문화전당, 광주
노동미술전, 울산문화예술회관, 울산/전태일 기념관, 서울
그림의 새로운 시작, 삼육빌딩, 서울
웨이팅 포 더 선, 문화비축기지 T5, 서울
아시아 그리고 쌀 전, 전북예술회관 ,전북 전주
2021 경기집중작가전 – 광대하게 느리게, 경기도 미술관
2020 제주 4.3 평화 미술제, 제주 4.3 평화 기념관, 제주
노동미술전, 울산문화예술회관, 부산민주공원전시장
2019 에이징 월드 – 서울시립미술관 서소문본관, 서울
가능성의 기술 – 생생화화, 아람미술관, 고양시
강과 사람전, 아트스페이스 광교, 수원
아시아 그리고 쌀 전, 전북예술회관 ,전북 전주
2018 경기천년 아카이브전 –지금, 경기상상 캔버스, 수원
촛불혁명과 평화의 창, 세종문화회관 미술관 2관, 광주, 창원, 부산 순회전
서남동목사 탄생 100주년 기념- 민중미술과 영성, 연세대 백주년 기념관, 서울

외 다수

수상
제3회 고암 이응노 미술상

작품 소장
국립현대미술관, 서울시립미술관, 경기도 미술관, 국립현대미술관 미술은행, 평화박물관

레지던시
2018 서울시립미술관 난지미술창작스튜디오 레지던시 작가

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■ 전 시 명 : 깊은 길 Deep Path

■ 작 가 명 : 이채영

■ 전시 기간 : 2024.05.13(월) – 2024.06.21(금)

* 월-토 10:00 -18 : 00 / 일요일 휴관

■ 장소 : 경기도 부천시 조마루로 105번길 8-73 대안공간아트포럼리 갤러리 1F

■ 문의 : artforum.co.kr / artforumrhee@gmail.com T.82(0)32_666_5858

■ 주최 : 대안공간아트포럼리

■ 후원: 한국문화예술위원회

깊은 길을 따라서,

임종은(독립기획자)

이채영 작가는 전통 회화 재료와 기법을 활용하여 자신의 시선이 포착한 장소를 탐색하는 작업을 성실하게 이어가고 있다. 그녀는 수묵과 모필을 통해 관념적인 풍경이나 전통적으로 이상화된 전경을 그리는 것이 아니라, 낯설지만 동시에 익숙한 풍경을 주변에서 발견하고 치밀하게 묘사하는 것을 작업의 중심으로 삼고 있다.

작가가 주변에서 주로 다루는 것은 그녀가 일상을 살아가는 현대 도시의 단면이며, 어두운 면을 포함한 여러 표면이 화폭에 그대로 담겨 있다. 아름답고 이상적인 풍경이 아닌 현대인의 삶이 투영된 이 장면들은 인간 문명의 욕망과 한계를 드러내며, 이를 통해 우리의 감성을 자극한다. 이 공간들은 인간의 욕망이 주목하는 밝고 화려한 면모와는 상반되고 숨겨진 곳이다. 그녀는 분명히 존재하는데도 불구하고 눈에 띄지 않거나 우리 의식 속에서 묻혀 있는 것들을 캐낸다. 작가는 이러한 것들의 무표정한 외관을 다루면서도, 우리의 감정을 자극하고, 해당 장소의 숨겨진 이야기를 자세히 살펴보도록 제안한다. 그 때문에 그녀의 작품은 우리의 이목을 끄는 동시에 현재의 삶과 공간에 대한 사유를 끌어낸다.

다시 말하면, 이채영은 인간과 공간에 대한 관계와 거기서 비롯된 정서로 어떤 장소를 구현하고, 흥미롭게 재현하고 있다. 이를 위해 진경산수를 그렸던 오래전 대가들처럼 작가가 직접 대상을 채집했고, 누구나 알아볼 수 있을 정도로 상당히 사실적이며 구체적인 사물과 풍경들을 그려낸다. 그러나 그녀가 주목하는 것은 일종의 우리 세계에 대한 미처 느끼지 못했던 것들의 감각을 자극한다. 우리 삶의 실제이자 일상의 장면이지만 우리에게 생경하게 다가온다. 그녀는 주로 훼손되거나 버려진 것들을 재현하고 섬세하고 담담하게 드러내는데, 보는 사람에게 마치 기억 속에서 어떤 장면이 시간이 멈춘 듯, 혹은 정적의 순간처럼 떠올라 현실과 가상을 오가게 한다.

이번 개인전 <깊은 길>(대안공간 아트포럼리 2024.5.13 ~ 6.21)에서 이러한 연구가 더욱 확장되어 우리에게 평범하지 않은 산수화로 다가온다. 먼저 전시장에 들어서면 작품 <길 위의 길>(2024)의 연속된 긴 화면이 공간을 장악하고 있다. 그리고 우리는 그 앞에 마주 서 있게 된다. 11m가 넘는 <길 위의 길>은 100호 화판 7개가 연속으로 이어져 연결된 것으로, 길게 펼쳐진 화면은 어디에라도 있을 법한 한적한 변두리의 도로를 따라 우거진 잡목들이 가득 메우고 있다. 작품 앞에 선 사람들은 점점 짙어지는 먹빛 작품이 인도하는 곳을 거닐 게 될 것이다. 그렇게 이끌려온 이곳은 어디일까? 작가가 말하고자 하는 장소 어디일까? 도시의 파편이 드러나지 않더라도 이채영의 필법의 섬세함과 화면 구성이 펼쳐내는 장면은 작가가 연구해 왔던 어딘가에서 만났던 익숙함과 낯섦이 교차하는 오묘한 지점에 우리를 세워 둔다.

이 작품의 시작은 2019년도이며, 도시의 편린들을 수집하며 자주 오가던 길에서 직접 마주친 풍경을 묘사한 것이다. 그리고 이번 전시에서는 이 전작들처럼 인간으로부터(사실은 자본의 논리 속에서) 소외되고 버려진 곳의 표면을 드러내었다. 그러나 이번 작품의 흥미로운 점은 익숙함과 낯섦이 교차하는 장소 특유의 감성과 지각을 화폭의 표면에서 부유하도록 멈추지 않고, 마치 한 폭의 전통 산수화를 감상하듯 화폭 속에 머물고 거닐게 한다. 화면 속에서 길가에 버려진 듯 질서 없이 무성하게 자란 나무가 시야를 가득 차 있도록 구성한 것은 한순간의 풍경이기도 하고, 다른 시간의 여러 공간과 대상들이 화면에서 교차하기도 한다. 초현실적으로 구성된 화면 속을 들여다보면 중첩된 기억을 재편집하고 다시 구성되었음을 짐작할 수 있다. 그리고 더 나아가 작가는 혼재된 장면을 뒤섞는 것으로 멈추지 않고 그가 탐색한 장소에 대해 의미와 감각을 함께 보는 사람들에게 열어 놓는다.

이것을 표현하기 위해 한눈에 다 볼 수 없을 정도로 넓은 화면으로, 전시 공간 전체를 가득 채우는 방식인 파노라마 전경으로 풍경을 구성했다. 이 방식은 대상에 대한 신체적인 경험과 몰입을 확대할 수 있도록 했다. 보는 사람들의 시선을 따라 다시점으로 평면 작품을 감상하듯 전시장에서 신체를 움직여 작품을 감상하게 구성했고, 여기서 우리는 수묵이 질감과 담담한 색조를 적절하게 구사된 풍경에 압도되어 더 풍부한 경험을 하게 된다. 그리고 이 경험은 채색을 하지 않고 채워진 화면 속에서 화면마다 전체적인 농담으로 변주를 주는 장면으로 더 묵직하게 심화한다.

도시의 어떤 장면을 포착하여 유려하게 펼쳤던 이전 수묵 작품들처럼 이것은 작가가 표현하고자 하는 풍경의 익숙한 듯 생경한 느낌과 질감을 보여 줄뿐만 아니라 거대한 화면과 점차 시간이 지나 어두운 밤이 되는 듯 변해가는 농담의 깊이로 관람자는 산책자가 되어 그 장소로 빠져들게 하는 경험을 하게 된다. 다시 말해 장면 속으로 사라지는 느낌, 무아의 경험을 제안하는 동양적인 매체와 표현의 실험과 확장을 통해 현대인이 느끼는 여러 가지 정서를 연결하고자 하는 시도이다.

또한 전시장의 마지막 부분에는 신작 <반영>(2024)을 통해 앞서 신체를 통해 전달하려고 했던 작가의 의도가 시각적인 감각으로 환원, 추상적인 화면으로 다시 수렴된다. 불안전한 풍경과 허구의 감성적 측면을 몸의 경험으로 제안하고, 다시 농담 없는 흑백의 강한 대비로 구성된 화면으로 전환하여 시각적인 유희로 사색의 공간을 확보하게 된다.

이채영 작가가 자기 삶 속에서 경험했던 장소를 통해 현대인의 감성을 드러내면서도 오랜 시간 미적인 탐구의 대상이었던 수묵의 실험적 모색을 감각적으로 추구했다. 작가의 일상과 경험과 사유로 바라본 현대의 풍경에 전통적인 창작과 감상을 교차시켜 미적 탐구를 모색하는 작가로서의 여정이 충실히 전시장에서 구현된 것이다. 전통 기법을 다루는 작가가 그 능숙함을 넘어 삶의 공간에 대한 통찰을 멈추지 않고, 지금의 의미를 전달하는 것은 매우 기대되는 일이다.

반영 45.5x53cm, 한지에 아크릴, 2024

이채영 <깊은 길> 전시 전경

이채영(B. 1984)

<개인전>

2019~20 Hidden place, 갤러리 세줄
2017 Dim day, 자하미술관
2015 The moment, 포스코미술관

외 다수

<수상 이력>

2016 퍼블릭아트 뉴히어로 대상

2015 종근당 예술지상 작가 선정

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■ 전 시 명 : 기억의 파도: 위로와 치유, 다시 내딛는 걸음

■ 작 가 명 :

강근옥, 강세경, 강승혜, 강태구몬, 고천성, 구덕진, 김미라, 김상수, 김선영, 김성원, 김순임, 김영애, 김유정, 김인희, 김정아, 김지혜, 김태덕, 김현희, 남수지, 문이원, 박건재, 박문주, 박미영, 박재철, 박제경, 서경애, 송은영, 안선주, 오의영, 오혜린, 유용상, 윤보라, 윤치병, 이동환, 이명순, 이아영, 이연숙, 이영미, 이영은, 이예림, 이윤하, 이정현, 이지이, 이지혜, 이택근, 이현미, 이현우, 이현정, 이효연, 정세라, 정재석, 조신욱, 최갑연, 최정규, 최혜영, 한광숙, 한상미, 허길은

■ 전시 기간 : 2024.04.16(화) – 2024.04.30(화)

* 월-토 10:00 -18 : 00 / 일요일 휴관

■ 장소 : 경기도 부천시 조마루로 105번길 8-73 대안공간아트포럼리

■ 문의 : artforum.co.kr / artforumrhee@gmail.com T.82(0)32_666_5858

■ 주최 : 대안공간아트포럼리

■ 지원: 416재단

■ 협력: 나비 416

《기억의 파도:위로와 치유, 다시 내딛는 걸음》은 세월호 참사 10주기(4월 16일)를 맞아 희생자 304인을 추모하고 남겨진 서로에게 위로를 건네고자 기획된 전시로, 세월호 참사에 이어 이태원 참사에 이르기까지 반복된 대형 참사의 발생으로 닥쳐온 허무와 좌절, 분노 속에서 예술의 역할을 고민해온 예술가들이 대거 참여한 그룹전이다. 대안공간아트포럼리는 《기억의 파도》전을 통해 참사 이후 지난 10년을 돌아보고, 비극이 반복되지 않기를 바라는 간절한 소망을 담은 애도와 연대의 공간을 마련한다.

특히 이번 전시는 그동안의 추모 전시가 소수의 예술인으로 구성된 아쉬움을 달래고자 참여 예술가의 폭을 넓혀, 각계각층에서 활발한 활동을 펼치는 58인의 예술가들로 구성된 대형 전시라는 점에서 그 의의가 크다. 이로써 《기억의 파도》전은 작가 개개인의 고유한 표현 방식을 엿보며 애도에 대한 다채로운 미학적 접근과 해석을 탐구하는 것은 물론, 전시장에 들어선 관람객을 둘러싼 58인에 달하는 예술가들이 작품을 통해 한 뜻으로 추모에 동참하며 시대가 남긴 상흔을 보듬는 강력한 연대의 장이 될 것으로 기대된다.

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■ 전 시 명 : HYPER REAL

■ 참여 작가 : 윤치병

■ 전시 기간 : 2023.11.16 (목) – 2023.12.21 (목)

* 월-토 10:00 -18 : 00 / 일요일 휴관

■ 전시 장소 : 경기도 부천시 조마루로 105번길 8-73 대안공간아트포럼리

■ 문의 : artforum.co.kr / artforumrhee@gmail.com T.82(0)32_666_5858

■ 주최 : 대안공간아트포럼리

■ 후원 : 한국문화예술위원회

윤치병의 하이퍼리얼

오정은(미술비평)

윤치병은 아카데믹한 작가다. 이런 수식이 현대미술 작가에게 칭해져 온 일련의 금단을 건든 것인지도 모르겠지만 그렇다. 윤치병의 작업은 문자 그대로 ‘잘 그린 그림’이고, 보이는 사실을 테크니컬하게 잘 묘사하고 있으며, 회화의 기본에 충실하고 작가 주관은 절제된 편에 있다. 실제로 작가가 쌓은 이력은 국내 아카데미 미술의 정석 표본을 보여준다. 수업 중 제자의 재능을 알아본 고교 미술 선생님의 추천으로 실기 미술에 입문해 명문 미대인 홍익대 회화과에 입학했고, 사실주의 화풍으로 학업과 작업을 병행해온 한편 미술학원과 예고 실기강사로 근 20년 간 경력을 쌓았던 것이다. 전시 이력으로 치면 경력 단절의 시기가 빈번하고도 짧지 않은데, 쉬지 않고 계속 그림을 그렸는가로 물으면 답은 긍정적이다. 생업의 노동과 예술이 일치한 그의 지난날은 미술의 제도 안에서 규칙적으로 다량의 작업량을 생산해 내게 했으니 말이다. 다만 그들 그림을 작가가 자기 작업의 연장선으로 다 보는지의 여부는 아직 결정을 미뤄야 옳다. 필자 역시 그 고민에 동참하며 본 글을 쓴다. 이는 회화에 오랫동안 천착해 온 재현의 강박이 추동한 리얼리즘 화풍, 그리고 재현의 정도와 기교에 특정 보편의 수준을 요하는 아카데믹의 화풍, 이어 그들 교집합 선상에서 지각되고 위치 지어지는 윤치병의 화풍에 대해 서로 분류하거나 때로는 엮어가며 사유하는 일이 될 것이다.    

윤치병의 그림은 절정의 기교를 드러내 왔다. 친구나 가족 등 그와 가까운 인물이나 주변의 일상 사물을 모델로 재현해온 그의 기술력은 초기부터 이미 거의 완숙한 정도에 이른 것으로 보였다. 이에 대학 재학 때부터 화랑가의 관심을 받았던 그의 회화는 대개 평범한 대상을 과장 없이 그려 아름답고 유려하지는 않지만, 사진을 찍은 것처럼 섬세하며 적나라했다. 정답에 가까운 모범으로서 입시 미술계에서 시범작으로 소비됐고, 학원가에서는 강사의 능력치를 드러내며 일종의 홍보 수단도 되던 작품이었다. 반면 그가 작가로서, 즉 미술계의 공인된 전시를 의식하며 유화로 그린 것은 주로 2000년대에 제작된 것과 2023년 올해 개인전을 준비하며 다시금 대형 캔버스에 작업을 시작한 몇 작품이다. 그 사이 시간의 긴 공백은 아카데믹풍 소묘나 수채화가 자리를 채우고 있다. 도제식 교육의 일환이거나 거기 안에서 통용되던 미학으로부터 작가적 정체성을 추출할 수 있을까? 이 물음은 다소 일차원적일 수 있다. 중요한 것은 그 일련의 과정이 윤치병에게 부정할 수 없는 자기 일생의 시간이고, 지금까지 다져진 회화의 경로라는 점이다. 미화하고 왜곡하는 것 없이 보이는 대로를 숙련하여 왔고, 그것이 곧 독자성이 된 작가 윤치병이다. 그의 하이퍼리얼도 그렇게 자기 삶의 실재를 기반으로 그려졌음을 알아야 한다.

대학 동문과 함께 한 《사진, 그림이 되다》(갤러리 나우, 2019)에서 윤치병은 종이에 연필, 수채화로 그린 초상화 세 점을 나란히 전시했었다. 사진으로 본 유명 여성 연예인과 모델, 그리고 작가의 남동생을 묘사한 거였다. 당시 전시의 유튜브 인터뷰에서 윤치병은 ‘다른 일하는 게 있어 간단하게 준비했다’면서 그들 작품을 소개했었다. 상대적으로 손이 많이 가고 오래 걸리는 유화에 비해 가벼운 매체로 그렸다는 뜻으로 ‘간단함’을 말했을 것이다. 더불어 생업의 버거운 비중을 자기 변명으로 삼은 듯하다. 이유야 어찌 됐든 그런 ‘간단함’은 윤치병이 나름 표해온 하나의 특성이었고, 본업과 부업을 병행해온 현실에 더해 아카데미 미술과 순수 창작 사이에 일말의 혼돈과 혼란을 내던 것이었다.

2023년 여름, 학원 강사 일을 접고 작업 시간을 늘린 윤치병은 부천의 아트포럼리 지하공간에 입주해 유화 그리기에 매진했다. 짐작하겠지만, 이는 전의 ‘간단함’과는 대조되는 본격적이고 복잡한 시동이었다. 먼저 그는 ‘사람을 그리고 싶고, 잘 그리고 싶다’는 오랜 비전을 유효하게 둔 채, 다만 자기 관행처럼 굳혀온 전작의 습성은 약간 탈피하고자 했다. 20년 전의 작품에서 윤치병이 주로 증명사진과 같은 정면 포트레이트 구도 및 느낌을 인물화에 가져와 써왔다면, 신작에서는 유리벽에 막혀 마구 일그러진 안면의 인물화를 시도했다. 대칭과 비례의 안정성을 일부러 깨고 추한 표정에 순간적 동세를 띠는 얼굴을 극사실의 기법으로 그렸다.

신작과 함께 전시를 준비하면서 윤치병은 재현의 강박과는 다른 또 다른 압박감을 느꼈다. 개인전을 구성할 작업 간 동질의 주제, 자기 작업 색을 꾸미는 형용사를 두고 그랬다. 이렇게 작가로서 필연적인 곤궁의 처지는 눈앞의 벽에 갇혀 물리적 난항에 처한 신작의 인물 도상과도 유사하게 맞물린다. 전작의 회화가 작가 자신과 주변의 관계 내지 사회적 인물을 보았다면 신작의 회화는 지금 작가 내면과 상황이 투영된 혼잡의 인물에 가깝다. 기존 환경에서 오래 굳혀진 표현력은 신작에서도 통용되는 기교로 능숙하게 처리된 동시에, 더 잘하고 싶고 동시에 깨부수고 싶은 화가의 손기술로 양가에 둘러쳐진 것이기도 했다. 작가는 ‘잘 그린 그림’으로 호명되어 왔던 자기 작업의 과거형 수사를 딛고, 맞부딪히고, 새로이 하려고 한다.

하이퍼리얼(hyperreal). 필자가 이 전시 제목을 제안할 때, 윤치병은 리얼(사실)과 진실을 동급으로 추구하려는 것 같았던 기억이 난다. 그는 자기 회화를 더 진실되게 묘사하고 싶어 했다. 더욱 정교하면서도 마음에 동하게 그려 인간의 지각 한계 이상으로 도달할 수 있는 지점이 여전히 회화 안에 잠재해 있음을 알기 때문일 거다. 마치 스마트폰 카메라가 신규 출시 때마다 계속 화소 수를 높여가며 시각 정보를 끝없이 업그레이드하고 일상 사진의 미학도 따라 발전하게 하듯이, 회화의 영역도 그렇다고 본다. 우리는 그 기술력과 미시적 삶의 진보에 계속 열광하고 매혹 당하지 않는가.

윤치병은 또, 자기 작업의 미흡한 지점을 계속 발견하고 다음의 지극한 이상에 층위 높여 전진해가려는 작가적 욕망을 지우지 않은 것 같다. 이에 형상이 분명하고 물감이 다 건조된 캔버스를 두고도 완성이라 자족하는 모습은 별로 보이지 않는다. 그런 한편, 동시대 미술에서 회화는 이미 오래된 전통적 매체로 진부한 재현의 관습을 버려오고 있다는 것 또한 잊지 않는다. 그래서 그는 캔버스에 변화구를 던지며 자기 언어를 마구 창안해 내는 중이다. 기존처럼 인물에 중심을 둔 채 사람을 그리고 회화를 내리 그린다. 무덤덤한 표정에서 고통스럽게 일그러진 안면의 인물화까지 이어지는 윤치병 작가의 작업 연대기다. 여기에는 국내 아카데미 미술의 역사도 산 증인처럼 발화되고 있다고 여겨진다. 나는 윤치병의 그런 표현 자체가 오늘날의 하이퍼리얼이라고 생각되는 것이다. 그 진실은 아직도 그려지고 있다.

1. 보이지 않는 벽1, 캔버스에 유채, 162x130cm, 2023

2. 보이지 않는 벽2, 캔버스에 유채, 130x194cm, 2023

3. 만날 수 없는, 캔버스에 유채, 53×45.5cm, 2023

윤치병(B.1980)

홍익대학교 회화과 졸업

2009 사람, 노암 갤러리

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가려진달, 캔버스에 유화, 116.8 X 72.7 cm

■ 전 시 명 : 창밖을 보아라

■ 전시 기간 : 2023.11.7(화)-11.11(토)

■  참여 작가: 이수연

■ 관람 시간 : 월–토 10:00~18:00 / 일요일, 공휴일  휴관

하늘 밑에서, 캔버스에 아크릴, 72.7 X 53cm

꿈꾸는 발코니 일상, 캔버스에 유화, 오일파스텔, 72.7 X 53 cm

가로지르는, 캔버스에 유화, 116.7X72.7cm

창밖을 보아라.

나는 작가가 되는 것이 꿈이었다. 미술 대학을 졸업하고 대학에서 배운 능력을 멋지게 발휘할 거라고 막연하게 생각했다. 그러나 현실은 냉혹했고 몇 번의 개인전 이후, 먹고사니즘에 따라 직장인이 되었다. 간신히 자기 앞가림은 할 수 있게 되었지만, 월요일을 싫어하고 매사에 아무 의욕이 없어졌다. 그림은 값비싼 취미로 전락했다. 당시 내 신조는 안분지족, 인생을 괴로움 없이 편안하고 쉽게 살고 싶었다.

이후 시간이 흘러 계절이 수십 번 바뀌고 한 1월 초에, 새해맞이 기념으로 집 안 대청소를 했다. 그때 집안 정리를 하면서 과거에 그렸던 작품들을 보았다. 문득 나는 내 인생이 부끄러웠다. 한때 나는 예술가를 꿈꾸며 달리던 사람이었는데 왜 이렇게 되었을까? 나는 게을렀던 나의 과거를 반성했다. 현실에 안주하지 말고 창밖을 바라보며 꿈과 이상을 실현해 보기로 마음먹었다.

꿈꾸는 발코니

창밖을 바라보다가 문득 나 자신을 바라보았다. 거울 속에는 실내 생활에 맞추어 진화한 인간의 몸뚱이가 비쳤다. 나는 자화상을 그리기에는 잘나지도 못했고 그렇게 예쁘지도 않았다. 그래서 내 얼굴 대신 실내 풍경화를 그리기로 했다. 비좁은 발코니에 맞추어 자란 화초들은 나와 몹시 닮아있었다. 삭막한 현실을 표현하기 위해 주변 배경은 무채색, 잿빛으로 그렸다.

반대로 식물들은 색을 띠고 있다. 편안한 녹색 대신, 좀 더 날카롭고 시끄러운 핑크과 파란색으로 그렸다. 왜냐면 이 화초들은 해바라기가 해가 있는 방향으로 고개를 기우는 것처럼, 창문 바깥을 염원하는 나 자신을 표현한 것이기 때문이다.

여행 스케치

나는 재충전을 위해 잠시 일을 쉬었다. 조그만 칸막이 사무실을 나와 세상을 돌아다녔다. 행복한 순간이었다. 걷다가 지치면 아무 곳이나 앉아서 주변 풍경을 그렸다. 남들처럼 편히 쉬지 않고 그림을 그리다니 나도 천상 그림쟁이인가 보다.

인생은 어디에 사용하면 좋을까?

인생은 도구다. 사용 후 잘 씻어서 말리고, 세심하게 관리해야 오랫동안 탈 없이 무사하게 살 수 있다. 어느덧 서른이 넘어가도 인생을 사용하는 것이 여전히 서투르다. 다른 사람들은 어찌 사나 블로그와 트위터를 흘깃거리고, 자기계발서를 많이 읽어도 답을 찾기 어렵다. 그래서 나는 인생을 사용하는 방법을 찾기 위해 그림을 그린다. 그림은 날 배신한 적 없으니까.

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